Конкурс «Лучшая фотография животного»

Российская художница-иллюстратор Эльвира Баранова (Elvira Baranova) родилась в Вологде. Искусство было частью ее жизни с самого детства. В течение многих лет Эльвира жила в нескольких европейских странах и работала в традиционной 2D-анимации и иллюстрации, прежде чем вернуться к живописи. В 1998 году художница переехала в Новую Зеландию, где работала аниматором, иллюстратором в нескольких анимационных студиях в Веллингтоне и в то же время экспериментировала с различными средами и техниками (акварель и акрил с маслом) в качестве художника. «Мои произведения имеют слегка сюрреалистический сюжет. Вдохновляясь миром мифов, басен и сказок, я хочу создавать произведения, которые будут «восхищать» или «очаровывать» зрителя. Я хочу, чтобы моя работа складывалась в нечто большее, чем просто красивое, а иногда и «волшебное» произведение искусства», — говорит Эльвира Баранова о своем творчестве. В 2010 Эльвира Баранова была награждена за лучшую акварель на конкурсе Rodney District Art Awards 2010.   Поделиться      

Художник из Великобритании Peter Wileman (Питер Вилеман) — бывший президент и член Королевского института художников масляной живописи, член Королевского общества художников-маринистов, восточно-английской группы художников-маринистов и член Королевского общества искусств. Он работал в области искусства и дизайна более сорока лет. « Мои картины – это повесть о свете и о том, как мы видим его и реагируем на него. Это то, что движет художниками. Вот почему большинство из нас рисуют. И все же, свет может быть неуловимым, как струйка дыма, поскольку мы пытаемся запечатлеть его во всех его многочисленных настроениях. Моя кисть никогда не бывает неподвижной. Для меня живопись — такая же часть дня, как еда и сон. На самом деле, это важнее, чем дыхание! Я не мог себе представить, чтобы ни один день не проходил без разговоров, чтения или участия в какой-либо деятельности, связанной с искусством. Подобно тому, как мотылька тянет к пламени, художника тянет к свету, и хотя я пытался выразить себя в живописи во многих различных формах, средах и стилях на протяжении многих лет, мой путь неумолимо вел меня, как и многих моих предшественников, запечатлеть это неуловимое качество света, этот только мерцающий закат, рассвет нового дня, ослепительную искру отражения от моря и реки, чтобы подарит тому, кто готов смотреть и видеть», — описывает свой творчество художник. Стиль живописи Питера привлекает своей смелостью и энергичностью, как в использовании цвета, так и в обращении с краской. Можно сказать, что картины его скорее абстрактны, наполнены светом, атмосферностью, динамикой, воздушностью, но при этом у них есть выдержанная композиция. Питер получил множество наград за свои картины, в том числе: Премия Фрэнка Херринга в 2000 году, Cornelissen & Son в 2003 году, Золотая медаль Клерка Фаула в 2006 году, Премия DAS в 2007 году, Премия Charles Pears и премия Стэнли Гримма в 2010 году, Хрустальная чаша Дартингтона в 2012 году. Поделиться  1   

Уличный художник из Португалии Odeith (Одеит) родился в 1976 году в Дамая. Впервые он взял в руки аэрозольный баллончик в середине 1980-х, а с искусством граффити познакомился только в 1990-х. Свои первые работы он рисовал на зданиях и железнодорожных линиях, чтобы их смогло увидеть большое количество людей, так страсть, которую он всегда испытывал к рисованию, обрела новую цель и начала развиваться. Вскоре после этого появилась возможность рисовать масштабные фрески в Дамайе, Каркавелосе и во многих других гетто, таких как Кова-да-Мура, 6-де-Майо и Санта-Филомена. Вначале художник проявлял особый интерес к перспективе и затенению в неясном стиле, который он позже назвал «мрачным 3D», где композиции, пейзажи или портреты своей реалистичностью и техникой. В 2005 году Odeith получил международное признание за свой стиль, известный как «анаморфоз.» За счет игры с рельефами, тенями, светом и глубиной изображения анаморфное граффити создает под определенным углом объемную оптическую иллюзию. В 2008 году он решил закрыть свою тату-студию, в которой работал с 1999 года, и переехал в Лондон. В настоящее время, вернувшись в Лиссабон, он занялся живописью в качестве своего основного вида деятельности, создав масштабные фрески для крупных национальных и международных предприятий, таких как London Shell, Kingsmill, Coca-Cola Company, Estradas de Portugal, Samsung, Sport Lisboa e Benfica ( футбольный клуб) и несколько португальских мэрий. Поделиться      

При первом взгляде на работы Яна Берри (Ian Berry) вам может показаться, что это фотографии с голубыми тонами или картины маслом цвета индиго. И не только при просмотре на экране и в печати, когда большая часть глубины и деталей теряется, но, даже рассматривая его работы вживую, многие зрители не осознают, что смотрят на многие слои и оттенки джинсовой ткани. Особенность его произведений не только в том, что они сделаны из старых джинсов — это просто материал, такой же как краски. Мастерство художника кроется в умении передать глубину, фактуру и живописный тон с помощью джинсовых лоскутков. Ян Берри создает меланхоличные городские сцены, часто изображая одинокую или менее очаровательную сторону городской жизни. Трудно поверить, что все это началось с одного простого наблюдения. Увидев кучу старых джинсов и заметив контрастные оттенки синего, Ян взял ножницы и клей и начал творить, а вскоре стал одним из самых обсуждаемых молодых художников и одним из ведущих 30 лучших художников мира в возрасте до 30 лет. Его успех привлек много внимания, и хотя работы были кропотливыми, он смог сделать несколько заказных портретов — Дебби Гарри, Дженнифер Сондерс, Джорджио Армани и Лапо Элканн и бразильская модель Жизель. В США и Европе состоялось несколько персональных выставок художника. Поделиться      

Художник из Зальцбурга, Австрия, Mario Pichler (Марио Пихлер) создает потрясающие гиперреалистичные рисунки карандашом. Невероятная детализация и фантастическая передача света и теней — вот что главное в работах Марио. Темы его работ разнообразны – это и обычные пейзажи, портреты и рисунки диких животных, а также необычные, волнующие и глубокие темы. Пихлер любит провоцировать, открывать глаза людям, а также восхищать своих зрителей множеством своих рисунков и картин. Невероятные картины Марио Пихлера были представлены на нескольких международных художественных выставках. Сегодня для вас подборка самых интересных его работ. Поделиться      

Bi Yuan Cheng (Би Юань Чэн) родился в 1957 году и вырос в Цзинане, Китай. Под руководством и при поддержке своего отца Би начал заниматься искусством в пять лет. В возрасте одиннадцати лет Би был наставником одного из самых престижных китайских профессоров искусства, который развил и без того значительные навыки Би в масле и акварели. Эти полезные отношения длились 10 лет и сильно повлияли на его будущий успех. В 1983 году Би окончил с отличием художественный университет ZiangXi. Многие из его работ выставлены в художественном музее университета. В 1985 году Би занялся ландшафтным и скульптурным дизайном. Его мраморная скульптура «Дразнящий лебедь» стоит в Центральном парке Цзинаня. Успех Би в скульптуре продолжился, когда его отобрали из 100 претендентов для разработки скульптур для стадиона Шаньдун — крупнейшего спортивного сооружения провинции. Готовое изделие представляло собой металлическую и бетонную скульптуру высотой 30 метров. В 1987 году выдающаяся карьера Би была отмечена званием «Мастер китайского искусства», а в 1989 году он был включен в престижную китайскую энциклопедию искусств. В том же году Би спроектировал фонтан с водяными лилиями, официальным цветком города, который стоит на центральной площади Цзинаня. Би иммигрировал в Британскую Колумбию, Канада, в 1990 году, где он продолжает свою мастерскую карьеру в масляной и акриловой живописи, а также в росписи.     Поделиться      

Yossi Kotler (Йоси Котлер) — художница и дизайнер из Израиля. В 1992 она закончила колледж дизайна Вицо в Хайфе, Израиль, и получила диплом по специальности графический дизайн. После завершения учёбы Йоси некоторое время работала в области визуального дизайна как креативный директор. За годы работы художница удостоилась многих наград в области графического промышленного дизайна. Некоторые её работы находятся в частных коллекциях. «Я люблю работать с холстом, акриловыми красками, тушью, углем, цифровым искусством и смешанными материалами. Вдохновение я черпаю в интернете и в жизни вокруг себя. Мои работы очень красочные и насыщенные, с выделением отдельных слоёв. Я не думаю, что у меня какой-то один стиль, потому что каждую новую картину я стараюсь писать не так, как до этого. Я могу быть очень точной в деталях и очень свободной. Это зависит того, чего я хочу добиться в данный момент, — рассказывает Йоси Котлер. — Когда я хожу по улице, исследуя свой путь и свое творчество, внезапно возникает искра, которая бросается в глаза, и я могу отражать ее формы, текстуру и цвета. Так начинается творческий процесс во мне. Затем я ищу женскую фигуру с уникальным, загадочным взглядом. После этого я буду использовать некоторые программы цифровой живописи, чтобы рисовать эскизы, а также интегрировать элементы природы, текстуру и цвета, которые все вместе отражаются в этом процессе. После цифрового процесса я начинаю более традиционный процесс, используя кисти с акрилом, чернилами, графитом, цветным карандашом, аэрозольными красками и всем, что необходимо для конечного результата. Мое искусство — объединение красот природы с таинственной женственностью, которая обволакивает ее». Поделиться      

Ирис ван Херпен никогда не воспринимала моду как работу с тканью в узком смысле. Её дизайн существует на стыке художественной инсталляции, биологических исследований и спекулятивного будущего. Выставка Iris van Herpen: Sculpting the Senses, открывающаяся в Бруклинском музее, объединяет более 140 работ за 19 лет — архив непрерывного и бескомпромиссного исследования человеческого тела. Здесь платья напоминают коралловые разрастания, мицелиальные сети, потоки воды и воздуха. Созданные с помощью 3D-печати, лазерной резки и радикальных материальных гибридов, эти формы выглядят скорее выращенными, чем сшитыми. Мода ведёт себя как экосистема — хрупкая, устойчивая, отзывчивая. Экспозиция выстроена как иммерсивный ландшафт, где кутюр вступает в диалог с естественнонаучными коллекциями, современным искусством и технологиями. Ископаемые, свет, звук и движение помещают тело в поле сил, превосходящих его масштаб. Устойчивость здесь проявляется не как лозунг, а как структура — роскошь переосмысливается через интеллект, исследование и внимание. Ван Херпен рисует образ будущего тела: проницаемого, чувствительного, взаимосвязанного. Эта мода размышляет вслух о том, куда мы движемся — и почему это имеет значение. Поделиться