22 и 23 апреля 2019 года Государственный институт искусствознания и Фонд содействия сохранению творческого наследия художника Константина Павловича Кузнецова представит научно-просветительскую программу, посвященную творчеству выдающегося художника русского художественного зарубежья, вновь открываемого ныне благодаря усилиям собирателей и исследователей искусства XX века.

22 апреля в 15.00 в Государственном институте искусствознания состоится презентация фонда художника Константина Кузнецова. Организация ведет свою деятельность в Москве с 2015 года. Фондом будет представлена книга «Константин Кузнецов: русский, который один из нас» – первое издание о художнике на русскомязыке. В рамках презентации впервые в России будет показана экспозиция произведений
Константина Кузнецова 1900–1930-х годов.

В презентации примут участие: Наталия Сиповская (директор Государственного института искусствознания), Алексей Петухов (старший научный сотрудник ГМИИ им. А.С. Пушкина), Дмитрий Мордвинцев (руководитель студии графического дизайна ABCdesign), Константин Ещеркин (директор Фонда Константина Кузнецова), Екатерина Усова (автор исследования, заместитель директора Фонда Константина Кузнецова по научной работе) и др.

Сбор гостей 14.30 – 15.00
Адрес: ГИИ 125009, г. Москва, Козицкий переулок, д. 5

23 апреля с 12.00 до 18.00 – круглый стол «Константин Кузнецов: возвращение в контекст»
Круглый стол посвящен творчеству Константина Кузнецова, уроженца Нижегородской губернии, с 1900-о года осевшего в Париже и ставшего с начала 1900-х годов постоянным экспонентом известных парижских салонов (Национального общества изящных искусств, Осеннего салона и Салона независимых). Тематика круглого стола: творчество художника в контексте французского искусства первой трети XX века и новое открытие его наследия для российской публики. С докладами выступят специалисты из Музея изящных искусств Понт-Авена, Государственной Третьяковской галереи, Государственного Музея изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Государственного Эрмитажа, НИИ Российской Академии Художеств, Государственного института искусствознания, Московского государственного университета им. М.В. Ломоносова и других ведущих научных и музейных организаций.

О художнике:
Творчество Константина Кузнецова (1863–1936) принадлежит как отечественному, так и общеевропейскому контексту. Художник происходил из России, однако жил и работал в Париже, в центре артистической богемы, на Монпарнасе. Его картины экспонировались на отечественных и зарубежных выставках рядом с произведениями В.В. Кандинского, В.Э. Борисова-Мусатова, М.Ф. Ларионова, А. Матисса, М. Дени, П. Боннара. Он получил художественное образование в частной академии Фернана Кормона, учителя А. де Тулуз- Лотрека, В. Ван Гога, Л. Анкетена, Э. Бернара, и добился признания в европейской выставочной среде. Он много писал, был обласкан французской критикой и публикой: один из немногих русских художников, он был принят в престижный салон Société Nationale des Beaux-Arts, ежегодно принимал участие в салоне Независимых и Осеннем салоне, являлся предметом пристального внимания известных критиков – Франсуа Тьебо-Сиссона, Роже Маркса, Гийома Аполлинера, Александра Бенуа.Наследие Константина Кузнецова демонстрирует исключительную историческую ситуацию. Собрание художника начала прошлого века сохранилось в целостном виде – так, как если бы только что вышло из его мастерской. Причиной тому является уникальная судьба самого автора: Кузнецов происходил из богатой купеческой семьи и, переехав во Францию, долгое время располагал средствами, которые позволяли ему не
продавать свои работы. Он не желал сотрудничать с галеристами и, по воспоминаниям дочери, даже отказался заключить контракт с прославленным галеристом Амбруазом Волларом. Когда Константин Павлович Кузнецов в 1936 году ушел из жизни, в его ателье на рю Буассонад в Париже остались почти все его картины.

Сегодня произведения Константина Кузнецова представлены в музеях мирового уровня: Музее Орсе и Музее Карнавале в Париже, в Музее изящных искусств Понт-Авена, Музее Эжена Будена в Онфлёре, Музее изящных искусств Кемпера, Художественном музее Гааги, Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее. И лишь недавно уникальная коллекция работ художника вернулась в Россию. Наследие мастера было открыто российскими искусствоведами во Франции, где оно хранилось у потомков художника. Собрание произведений, насчитывающее более 300 живописных и более 100 графических работ, в настоящее время передано Фонду Константина Кузнецова, созданному для сохранения и изучения его наследия.
Организация основана коллекционером и предпринимателем Андреем Щербининым.
В настоящее время привезенные в Москву холсты исследуются и реставрируются. Их сохранность уникальна, на каждой из картин остались авторские пометы, выставочные ярлыки, номера парижских салонов.
Сегодня произведения художника регулярно участвуют в музейных проектах во Франции, и тем не менее его имя остается мало знакомым российскому зрителю. По мнению представителей Фонда, для этого мастера, которого французы называли «одним из нас», настало время вернуться в контекст отечественного искусствознания.

Информация об издании
Издание «Константин Кузнецов: русский, который один из нас» – результат нескольких лет изучения картин художника и поисков редких материалов в архивах России и Франции (Москва, Санкт-Петербург, Нижний Новгород – родина Кузнецова, Национальный архив Франции). Среди самых интересных находок – переписка Константина Кузнецова и Борисова-Мусатова, обнаруженная в отделе рукописей Государственного Русского музея. При подготовке издания исследователи опирались на каталог-архив, составленный внучкой художника Моник Вивье-Брантом. Он позволяет установить название, место
создания, датировку и историю большинства работ Кузнецова. Автор исследования – сотрудник Фонда, кандидат искусствоведения, специалист по зарубежному искусству XIX – начала XX века Екатерина Усова. Вступительная статья к изданию написана Алексеем Петуховым, старшим научным сотрудником ГМИИ
им. А.С. Пушкина, хранителем коллекции нового французского искусства. Книга о Кузнецове подготовлена студией графического дизайна ABCdesign.

С 19 по 26 апреля в Москве пройдет 3-ий городской фестиваль «Дни Авангарда». В этом году все мероприятия фестиваля объединит тема «Искусство и власть».

Цель фестиваля – популяризация наследия русского авангарда, представление его широкой аудитории как одного из главных явлений культуры ХХ века.

В этом году мероприятия фестиваля объединятся общей темой «Искусство и власть». Искусство авангарда стремилось отвечать на актуальные вопросы своего времени, поэтому находилось в активном диалоге с новой властью. Маяковский, Родченко, Таиров, Мейерхольд, Татлин, Шостакович, Третьяков и многие другие создавали произведения на острые социально-политические темы: мировая революция, интернационал, новый быт, раскрепощение женщины, индустриализация и кооперация.  Советская власть в 1920-е годы часто выступала заказчиком новых произведений искусства, а одним из первых опытов такого взаимодействия стал ленинский план монументальной пропаганды.

В рамках фестиваля готовится спецпроект «100 лет плану монументальной пропаганды», приуроченный к столетию представления проектов памятников по ленинскому декрету 1918 года «О памятниках республики». Посетители смогут посетить специально разработанные экскурсии по местам установки памятников, увидеть их изображения на мобильных стендах, а также узнать больше о плане монументальной пропаганды на выставках и лекциях.

Программа фестиваля также включит спектакли, концерты, экскурсии и другие события на разных площадках по всей Москве, посвященные разным этапам и сторонам непростых взаимоотношений между государством и искусством в 1920-1930-е годы.

О фестивале
Первый фестиваль 2017 года «Дни авангарда. 10 революций», был посвящен фундаментальным переворотам в культурной и социальной сферах в первые десятилетия советской власти. В 2018 году  фестиваль под заголовком «Левый фронт искусств» был приурочен к 125-летию В. В. Маяковского, которого можно назвать универсальной фигурой эпохи авангарда, её моделью и символом.

Всего на разных площадках Москвы в течение фестивальных недель в 2017 и 2018 годах прошло более 60 мероприятий с участием актеров, музыкантов, перформеров, лекторов и экскурсоводов.

Кураторы Фестиваля: историк архитектуры, куратор Центра авангарда и Галереи «На Шаболовке» Александра Селиванова, куратор проекта «Москва глазами инженера» Мария Никитина, Заведующая научно-экспозиционным отделом ГМИРЛИ имени В. И. Даля «Дом И. С. Остроухова в Трубниках» Марина Краснова.

Организаторы: Центр авангарда и Галерея «На Шаболовке» Объединение «Выставочные залы Москвы», Государственный музей истории российской литературы имени В. И.  Даля, образовательный проект «Москва глазами инженера», Культурный центр ЗИЛ.

Партнеры: Государственный музей истории ГУЛАГа, Центр имени Вс. Мейерхольда, Музейное объединение «Музей Москвы», Государственный Дарвиновский музей, Музей «Огни Москвы», Московский ансамбль современной музыки, ГИТИС, Центральная универсальная научная библиотека имени Н.А. Некрасова, Проект «1931», Мультимедиа Арт Музей, Международный Мемориал.

Возрастной ценз: 0+

Открытие состоится 19 апреля в 19:00 в Культурном Центре ЗИЛ, Восточная ул., 4, к. 1, Москва — вход на событие свободный.

16 апреля в галерее ARTIS открывается выставка Леты Добровольской и Екатерины Шинкаревой, посвященная теме иллюзорности восприятия действительности, центральным понятием которой стал концепт обманок.

Обманка (или тромплей, с французского «trompe-l’oeil» − обман зрения) − прием в изобразительном искусстве для создания иллюзии трехмерного изображения. Благодаря игре с визуальным восприятием зритель видит близкие объекты как далекие, а плоские – как объемные и обладающие пространственной глубиной. Обманки были популярны на протяжении всей истории развития искусства со времен античности, постепенно видоизменяясь и  становясь все более совершенными.

До сегодняшего дня картины-обманки завораживают, сбивают с толку, запоминаются, стирают границы между реальным и вымышленным, вызывают парадоксальные ассоциации и яркие эмоции.

Французский культуролог и философ-постмодернист Жан Бодрийяр исследовал феномен тромплея и так писал о нем в сочинении «Соблазн»: «Нет сцены, нет зрелища, нет действия. Все это обманка предает забвению, обходясь чисто декоративной фигурацией неважно каких объектов». Философ отмечает, что обманка отражает и описывает не реальность, а Пустоту, вызывая ощущение зрителем иной реальности изображенных на картине объектов. Тромплей, по мнению Бодрийяра, имитирует третье измерение, и, следовательно, ставит его  реальность под сомнение.

Екатерина Шинкарева в своих работах серии «Миф» исследует абстрактное, метафизическое пространство. Перед зрителем оказывается то ли фантастический инопланетный пейзаж, то ли туманный мираж. Невозможно ни определить природу этих изображений, ни распознать, что за субстанции на них представлены: жидкие потоки, густой пар или твердые скалы. Живопись Шинкаревой создает таинственное настроение через причудливые формы и световые контрасты, которые дополняются музыкальным сопровождением в стиле эмбиент, погружающим зрителя в атмосферу мистики и загадки.

Работы Леты Добровольской из серии «Обманки» − фиксация натюрмортов, выполненных из повседневных вещей, однако составленных так, что каждая композиция представляет собой сложную метафору-миф. Обманки у художницы  –  не только технический прием, но и размышление о сути живописи – иллюзии, которая воспроизводит трехмерные образы на плоскости. Дополнением к серии работ Добровольской служит инсталляция, созвучная композициям на холстах, поднимающая вопрос о неоднозначности нашего восприятия.

Даты проведения: 16 апреля − 24 мая 2019 года

Адрес: ARTIS gallery, 4-й Сыромятнический переулок,1/8, ЦСИ «Винзавод»

Вход свободный

Тринадцать орхидей в тринадцати картинах – стоп-кадрах жуткого триллера! Новый проект Екатерины Белявской имеет литературный и исторический подтексты. В его основе жизнеописание последней китайской императрицы по имени Цы Си (1836 – 1908), правящей около 50 лет. Цы Си с юности отличалась красивой внешностью и приятным, звонким голосом, за что в народе ее прозвали маленькой Орхидеей. Биографию Цы Си легко можно рассматривать как сценарий жуткого триллера, ибо под ангельской внешностью скрывалось чудовище, сжигаемое тремя страстями – это жажда абсолютной, вечной власти, жажда любовных утех и обогащения. Впрочем эти три страсти Ци Си вполне актуальны и сегодня. В конце своего правления Цы Си за свою жестокость и алчность получила второе имя – Дракон.

Метаморфозу прекрасной Орхидеи в жестокого Дракона представляет Екатерина Белявская. Место действия – Запретный город. Картина «Ширма» – на переднем плане пышное соцветие белых орхидей как символа юности и чистоты. Однако выступающая из-за ширмы девушка – в костюме садо-мазо, а за цветами прячется зубастый дракон, он же на левой створке беззубый веселый малыш. Юная Цы Си мечтает о власти, к которой она может приблизиться, только став наложницей Императора. «Сад» – прекрасные девушки-цветы резвятся в императорском парке, поодаль Цы Си обдумывает хитрый план, как обойти их всех и попасть к монарху, злой дракон ее замыслов набирает силу – картина «Дракончик», в которой на заднем плане появляются цветы тигровой окраски. С помощью клеветы, яда и подкупа Цы Си допущена к телу Императора, служанки обряжают ее в красивое платье – картина «Платье», под платьем все то же белье садо-мазо, а на переднем плане – разросшиеся, хищные кольца дракона, белые орхидеи отступают на задний план, впереди появляются черные цветы. Цы Си очаровала императора и подчинила своей власти, монарх дарит ей сережки – картина «Сережки». Впоследствии Цы Си, наполняя мешки драгоценностями, лишь перебирает их жадными пальцами, а носит только эти сережки. Затем Цы Си последовательно умервщляет и красивых наложниц, и якобы рожденного ею наследника и его жену, и императрицу, и вот она одна возле императора, о маленькой Орхидее напоминает лишь сломанная ветвь этих цветов – картина «Сломанная Орхидея», страх охватил дворцы Запретного города, на переднем плане работы безглазое лицо девушки с запечатанным ртом. Странной смертью погибает император, и Цы Си, провозгласив себя императрицей, властвует безраздельно – полотна «Кресло», «Прическа», «Кимоно».

Возле Цы Си появляются сильные юные красавцы, каждый из них, насытив алчущую императрицу своими ласками, исчезает навсегда – картина «Сигарета». Помимо секса, императрица увлекается также фотографией, она делает снимки дворцов и парков Запретного города, ни разу в жизни не покинув его границ, а лишь разъезжая по нему на трехколесном велосипеде, – картины «Фото» и «Велосипед». Ни на одном из полотен нельзя увидеть истинного лица героини – все изображения людей условны. Лишь на последней картине Белявская изображает подлинный предсмертный портрет императрицы – старая женщина смотрит на себя в зеркальце, черные орхидеи стирают из ее памяти ушедшее время – картина «Черные орхидеи».

Несмотря на мрачность сюжета, картины Белявской восхищают роскошью и красотой. Иначе и быть не может, ведь это живопись! Как писал в своем трактате о живописи китайский художник и теоретик живописи Ши-тао (ХYII век), исходным началом и импульсом живописи является радость. Для человека эмоционального красота – вернейший источник радости. Ши-тао писал о правилах для художника – «его правило – в отсутствии правил. В этом и состоит высшее Правило». Без всяких правил Белявская в своих полотнах сталкивает разные стили. Пышный цветок орхидеи не только один из четырех символов-цветов в китайской культуре, он также и центральный цветок роскошного стиля модерн конца ХIX – начала XX веков. Разглядывая орхидеи и другие объекты на картинах художника, невольно вспоминаешь короткую эпоху этого пышного стиля. А вот людей художник Белявская изображает минималистично – черным контурным рисунком без заливки цветом. Уходят люди, уходят эпохи, стили, а цветы по-прежнему расцветают в садах, иногда в них гуляют дракончики.

Ирина Филатова

Новый фестиваль русского современного искусства ГУМ-Red-Line в ГУМе на Красной площади представляет творчество лучших российских художников нашего времени, работающих в разных направлениях.

AES+F “Семейный портрет с химерами”

Программа 2019 года – выставка-фестиваль «Одна семья» возникла из арт-проекта «Современное искусство на обложке BoscoMagazine». На протяжении четырех лет, начиная с весны 2015 года, 16 известных российских художников создавали свои оригинальные произведения на тему семьи. Каждая обложка BoscoMagazine становилась выставкой одной картины.

Андрей Бартенев “Давайте улыбаться”
В проекте приняли участие: Владимир Дубосарский, Олег Кулик, AES+F, Андрей Бартенев, Павел Пепперштейн, Гоша Острецов, Георгий Тотибадзе, Константин Звездочетов, Александр Виноградов, Сергей Братков, Семен Файбисович, Гриша Брускин, Айдан Салахова, Белла Левикова, Ирина Корина, Таня Пёникер.

Владимир Дубосарский “В наших домах цветут вечные ценности”

Их работы, сделанные специально для журнала, объединены единой темой на все времена. Тема семьи – понятная и необъятная, ключевая тема Bosco – стала отправной точкой проекта.

Таня Пёникер “Хрю!”

Весной 2019 года у посетителей ГУМа на Красной площади появится уникальная возможность увидеть все художественные обложки BoscoMagazine вместе, а также познакомиться с творчеством каждого из участников проекта. На 1-й линии магазина откроется экспозиция «Одна семья», представляющая самые разные жанры современного изобразительного искусства России: живопись и графику, видео и объекты. Выставочное пространство будет организовано в формате 16 арт-павильонов, спроектированных архитектурным бюро WowHaus (Дмитрий Ликин и Олег Шапиро).

Семен Файбисович “Кира”

В каждом павильоне зрители смогут увидеть информационные материалы о художниках, созданные специально для фестиваля. Видеофильмы, смонтированные из интервью художников, позволят широкой аудитории оценить жизненную и творческую позицию каждого участника проекта.

На Фестивале будет функционировать образовательная программа. В рамках выставки будут проходить экскурсии, рассчитанные на интересы семейной, детской и юношеской аудитории.

Павел Пепперштейн “Суперматическая семья”

Взрослых посетителей ждут специализированные экскурсионные туры с кураторами проекта, круглый стол с участием художников, спектакль театра «Практика», демонстрации фильмов и интерактивный мастер-класс по созданию нового объекта современного искусства.

Организаторы фестиваля подготовят отдельную серию мероприятий совместно с каждым автором проекта.

Айдан Салахова “Начало”

Одновременно с выставкой «Одна семья» в залах ГУМа на Красной площади на третьем этаже здания откроется галерея ГУМ-Red-Line, в которой будут представлены произведения участников выставки. В дальнейшем галерея продолжит работу с новыми авторами, отобранными по рекомендации специально созданного авторитетного экспертного совета. Для коллекционеров, заинтересованных в частных собраниях современного русского искусства – в галерее будут представлены работы, которые можно не только посмотреть, но и приобрести.

11 апреля в Галерее XXI века Объединения «Выставочные залы Москвы» открывается выставка «Апрельские Макси Мины». В экспозиции представлены работы современных художников авторской книги из Москвы, Санкт-Петербурга и Краснодара.

Почему «Макси Мины»? Потому что арт-объекты, представляемые на выставке, могут быть очень маленькими, со спичечный коробок, или очень большими, как сундук или шкаф. Но каждому из них найдётся место в экспозиции.

Дмитрий Бабенко, “Атлас (Персонаж №13)”

А почему «Апрельские»? Потому что проходит она ВСЕГДА в апреле!

У этой выставки есть предыстория. Несколько лет назад Галерея XXI века задумала долгоиграющий проект, в котором бы соединились книга, театр, литература и игра. Есть бесхитростные игры маленьких детей, когда ребенок учится познавать мир. А есть умная, интеллектуальная игра в шахматы, где противники просчитывают четыре — пять ходов вперед.

Сергей Якунин, “БИБЛИОТЕКА ХАРМСА”

Игра этого года – игра в библиотеки. «Утопические библиотеки» Дмитрия Бабенко, Копысянские библиотеки из раскопок Петра Перевезенцева, фантастические складные книги из библиотеки Эмиля Гузаирова, кабинет-библиотека Даниила Хармса Сергея Якунина. «Апрельские Макси Мины» 2019 года будут наполнены мистификациями и придуманными историями.

Эмиль Гузаиров, “Книга-трансформер. ПОЛЬ ЭЛЮАР”

Выставка «Апрельские Макси Мины» — это самая весёлая весенняя выставка в Москве, которую можно не только смотреть, но и создавать своими руками. Дети и взрослые могут попробовать себя в роли коллективного художника-иллюстратора, создателя авторской книги или самого большого коллажа в мире.

Пётр Перевезенцев, “КОПЫСА. Рисунки на кальке”

Открытие выставки состоится 11 апреля в 18:00                                                                                                         Даты проведения: 11.04 – 09.05 2019 года
Время работы: вт.- вс. 11:00-20:00
Стоимость: 100 р. (50 р. – льготный)
Место проведения: Галерея XXI века, м. «Славянский бульвар», ул. Кременчугская, дом 22
www.vzmoscow.ru

8 февраля исполнился 191 год со дня рождения выдающегося французского писателя, одного из основоположников жанра научной фантастики, Жюля Габриэля Верна. В честь этого события 11 апреля в Малом выставочном зале ARTPLAY откроется интерактивная выставка – приключение для всей семьи «Невероятные миры Жюля Верна».

«На создание выставки нового формата нас вдохновили знаменитые произведения Жюля Верна, – рассказывает генеральный продюсер Валери Жакар. – Это путешествия вокруг света, к центру Земли, на Луну, в глубины океана. Мы придерживаемся знаменитой формулы писателя: «Развлекая – обучать, обучая – развлекать», поэтому все объекты на нашей выставке можно будет  изучать, трогать, исследовать, взаимодействовать. В прошлом году весь мир отмечал 190-летие великого французского писателя-фантаста, но нам кажется, что в России этот юбилей остался незамеченным. Нашей выставкой мы бы хотели восполнить этот пробел и напомнить взрослым и детям о его прекрасных книгах».

Благодаря невероятному дару фантаста и футуролога Жюль Верн намного опередил свое время и подарил миру 108 гениальных научных идей, которые его современникам казались лишь смелым вымыслом. Тем не менее, уже сегодня 64 из них стали реальностью, например, полет на Луну или создание интернета, а остальные, судя по всему, уже совсем скоро будут осуществлены.

На выставке можно будет увидеть уникальный интерактивный макет подводной лодки «Наутилус» с мельчайшими деталями интерьера. Кроме того, посетители увидят копию глубоководного скафандра с 20 иллюминаторами в шлеме, вагон-снаряд, в котором герои писателя  полетели на Луну из пушки, и много других объектов, воссозданных по знаменитым книгам. Все посетители также смогут  побывать в фантастическом кабинете Жюля Верна. Отдельный зал выставки – Воображариум – создан специально для детей. В нем можно свободно творить, создавать свои миры и получать новые впечатления.

Выставка, приуроченная к 191-летию великого французского писателя, станет увлекательным и полезным приключением для всей семьи. Ведь сам Жюль Верн говорил: «Я не писал ни одного слова, которое было бы непонятно детям».

При поддержке Французского Института в России

Место проведения: Малый выставочный зал ARTPLAY (метро Чкаловская или Курская)
Даты проведения: 11 апреля по 30 июня 2019
http://verneforkids.com/

Государственный музейно-выставочный центр РОСФОТО представляет персональную выставку Ани Конрад «Все всегда безупречно, когда ты везде».

Аня Конрад в своих работах показывает бытовые ситуации и предметы, с которыми мы незаметно для себя сталкиваемся каждый день. На ее фотографиях обыденные на первый взгляд сюжеты превращаются в сложносочиненные абстракции. Между формами обнаруживаются неожиданные ассоциации, из которых складываются истории вещей. Конрад показывает новый порядок вещей, разрушая привычные ожидания и заново прочерчивая их границы, оставаясь при этом внимательным наблюдателем природы человека с его жаждой признания и потребностью в любви. Аня Конрад создает свой собственный жанр — архив чувств и парадоксов сосуществования воображаемого и реального в фотографии и самой жизни.

Аня Конрад (р. 1971) родилась в Германии, выросла в США, живет и работает во Франкфурте-на-Майне.

С 5 апреля по 11 августа в Институте русского реалистического искусства пройдет выставка «Пора разобраться! Архив Александра Каменского. Художники и критик». Проект посвящен сложным отношениям художников и критиков.

Художники и критики исторически принадлежат к разным лагерям, хотя и двигаются в одном направлении. Именно их взаимоотношения, от дружбы до откровенной вражды, и создают историю искусства. Художественный критик, историк искусства и публицист Александр Абрамович Каменский в своих статьях обозначил начало «оттепели» в истории советского изобразительного искусства. Сама выставка «Пора разобраться!» получила своё название от заголовка его статьи, опубликованной за несколько месяцев до событий, произошедших в Манеже на выставке «30 лет МОСХа» – событий, которые, по сути, завершили «оттепельный» период в культуре и искусстве. Однако зародившиеся в 1950-е годы процессы не исчезли без следа – они лишь перешли из выставочных залов на страницы печатных изданий, воплотившись в дискуссиях, докладах и выступлениях.

Александр Каменский находился у истоков «оттепельного» искусствознания: сражался за объявленных формалистами классиков, подарил искусству шестидесятых звучный термин «суровый стиль» и стал идеологом и соавтором концепции знаменитой выставки «30 лет МОСХа» в Манеже. Оставшийся после него архив – уникальный свод документов целой эпохи в художественно-политической истории искусства нашей страны, от 1950-х до 1990-х годов. Эти материалы позволяют по-новому увидеть и понять отечественное искусство XX столетия – как через призму бюрократической переписки и стенограмм заседаний, так и через неопубликованные статьи, сатиры и личные письма. Документы художественной эпохи сопровождаются произведениями большинства её главных героев – в выставке участвуют работы Мартироса Сарьяна, Марка Шагала, Сергея Конёнкова, Роберта Фалька, Владимира Фаворского, Александра Лабаса, Андрея Гончарова, Виктора Эльконина, Павла Никонова, Николая Андронова, Таира Салахова, Виктора Попкова, Александра Ситникова, Ольги Булгаковой, Татьяны Назаренко, Натальи Нестеровой, Андрея Волкова, Олега Целкова, Анатолия Зверева и многих других.

Кураторы выставки – Михаил Каменский и Елена Коваленко.

Надежда Степанова, арт-директор Института русского реалистического искусства
Эта выставка позволяет нам опубликовать итоги большой аналитической работы, связанной с разбором и публикацией архива Александра Каменского. В настоящий момент мы оцифровали почти 20 000 листов документов и фотографий. Кроме того, концепция выставки подразумевает, что зритель может увидеть «живьем» те произведения выдающихся мастеров XX века, о которых писал критик. В ИРРИ будут экспонироваться работы Марка Шагала, Александра Тышлера, Владимира Татлина, Сергея Конёнкова, Анны Голубкиной, Владимира Вейсберга, Анатолия Зверева, Олега Целкова. Мы особенно гордимся тем, что гости нашего музея увидят никогда ранее не выставлявшийся первый вариант работы Алексея Сундукова «Очередь» (1986). Также впервые мы представим публике полотно Александра Лабаса «Карелия. На лесозаготовке» (1938) из собрания наследницы художника Ольги Бескиной-Лабас. И это лишь малая часть открытий, о которых мы расскажем в рамках выставки «Пора разобраться!».

Михаил Каменский, искусствовед:
Впервые, по крайней мере в российской выставочной практике, в центре музейного проекта оказывается не художник, а критик, историк искусства и публицист, глазами которого зрителю предложено увидеть почти полувековую историю страны и её искусства. Впервые, по крайней мере в российской архивной практике, в открытом электронном доступе будет выложен огромный массив структурированной информации об искусстве и культурной жизни нашей страны во второй половине ХХ века. Важнейший период истории отечественного искусства, с 1945 по 1990 годы, предстанет перед глазами читателя в документах, рассказывающих об удивительных поворотах судеб художников и искусствоведов.

Елена Коваленко, искусствовед:
Институт русского реалистического искусства – это не только музей, но и исследовательская платформа. Работа над выставкой «Пора разобраться!» стала для ИРРИ прекрасной возможностью ознакомиться с архивными материалами по искусству XX века, многие из которых можно по праву назвать уникальными. Помимо охвата невероятного количества имён, выставок и направлений, ценность архива Александра Каменского заключается ещё и в том, что в этих документах досконально отражена и обратная сторона художественной жизни – стенограммы бесконечных заседаний, отказы в публикациях от издательств, резкая критика и даже травля в прессе художников и искусствоведов. Подобные свидетельства времени позволяют полностью погрузиться в эпоху, которая с каждым годом становится всё более недосягаемой и, как следствие, менее понятной для новых поколений. Синхронно экспонируя картины и архивные документы, мы ставим перед собой задачу показать нашим посетителям искусство XX века внутри временного и культурного контекста, не исчерпывающегося назывными категориями «оттепели», «застоя» и «перестройки».

За разработку архитектуры и дизайна выставки отвечают архитекторы бюро PROJECT ELEVEN Игорь Чиркин и Павел Пришин, авторы афиши, графичеcкого оформления – Андрей Шелютто и Ирина Чекмарёва. К выставке подготовлены аудиогид и образовательная программа.

Параллельно с выставкой ИРРИ планирует публикацию архивов Александра Каменского на онлайн-платформе «Сеть архивов российского искусства» (RAAN). Проект RAAN, основанный Музеем современного искусства «Гараж», объединил значимые архивные коллекции, посвященные советскому и российскому искусству послевоенного периода. В собрании Музея «Гараж» представлены материалы российской прессы, архивы первых московских галерей и персональные архивы, собранные художниками, коллекционерами и кураторами. Участниками проекта также являются Художественный музей Зиммерли, представляющий архивы нонконформистского искусства Нортона и Нэнси Додж, и Бременский архив, включающий в себя материалы, связанные с художниками-иммигрантами. В 2019 году к проекту присоединяется Институт русского реалистического искусства.

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина совместно с Домом-музеем Пабло Пикассо в Малаге (Испания) представляют выставку «Ильязд & Пикассо. Страницы творчества и жизни», посвященную совместному творчеству и многолетней дружбе Ильи Михайловича Зданевича (Ильязда) и Пабло Пикассо. Выставка проходит при поддержке группы компаний ЛАНИТ.

В экспозиции представлены все книги Ильязда в жанре livre d’artiste с печатной графикой Пикассо, первые футуристические издания Ильи Зданевича тифлисского периода, а также многочисленные экспонаты, отражающие дружеские отношения двух мастеров ХХ века. Основу выставки составляют издания livre d’artiste из собраний Георгия Генса и Бориса Фридмана, а также документы и артефакты из архива Ильязда. Отдельные работы предоставлены Государственным музеем изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Государственным музеем истории российской литературы имени В.И. Даля и Санкт-Петербургским государственным музеем театрального и музыкального искусства.

В юношеские годы в Тифлисе Илья Зданевич и его друзья, восхищаясь творчеством Пикассо, называли его одним из героев анонсируемой ими теории «всёчества». В конце 1921 года Илья Зданевич приезжает в Париж, который становится его домом до конца его дней. Уже в следующем году он становится секретарем, а впоследствии и председателем Союза русских художников в Париже. Под эгидой этого Союза в течение нескольких лет Ильязд занимается организацией знаменитых балов, привлекших внимание всего художественного Парижа. В оргкомитет первого из балов, Fête nuit à Montparnasse, состоявшегося 30 июня 1922 года, наряду с другими вошли Ильязд и Пикассо. В это время происходит их очное знакомство. Имя Пикассо встречается в программах еще трех из семи балов, в организации которых активное участие принимал Ильязд. Для программы бала Grand Transmental Ball, разработанной Михаилом Ларионовым, Пикассо сделал рисунок лошадки, который сохранился, и находится в собрании Пушкинского музея в Москве.

В 1940 году Ильязд издает в жанре livre d’artiste сборник своих сонетов «Afat» с печатной графикой Пикассо. В процессе работы именно над этим изданием формируется их творческий союз, подаривший любителям искусства уникальные издания livre d’artiste Ильязда с печатной графикой Пикассо. В течение последующих тридцати трех лет выходят еще шесть изданий livre d’artiste, специально для которых Пикассо создает серии печатной графики. Еще в двух изданиях Ильязда Пикассо принимает участие вместе с другими художниками. Пикассо, по его же утверждению, практически никогда не делал иллюстрации специально для конкретных изданий и только для Ильязда он делал исключение. При этом Ильязд не просто заказывал художнику серии иллюстраций для своих книг, а буквально диктовал, что именно он хотел бы от него получить. Так продолжалось на протяжении всего их сотрудничества.

Помимо творческого союза на протяжении всех этих лет их связывали дружеские отношения. В конце 1940-х годов Ильязд поселяется рядом с Валлорисом, где Пикассо занимается керамикой, чтобы попробовать свои силы в производстве керамических изделий. Они вместе проводят время, отдыхая на Golfe-Juan beach. Пикассо должен был присутствовать в качестве свидетеля при регистрации брака Ильязда и Элен Дуар-Мерэ в 1968 году. Но в тот день его не было в городе, и эту роль выполнила Жаклин Рок, жена Пикассо. Однако художник изготавливает ироничный офорт с изображением молодоженов специально для извещения об их бракосочетании.

В экспозиции представлено много разного рода свидетельств дружеских и творческих отношений, связывающих этих двух выдающихся мастеров ХХ века. Целый ряд экспонатов зрители увидят впервые. К выставке подготовлен обширный каталог, включающий статьи и все изображения работ Пикассо, созданных им для изданий Ильязда.

Директор ГМИИ им. А.С. Пушкина Марина Лошак:
“Выставка «Ильязд & Пикассо» является продолжением ретроспективного показа творчества Ильи Зданевича, состоявшегося три года тому назад в нашем музее. В мировое искусство Зданевич, известный за рубежом как Ильязд, вошел как уникальный издатель livre d’artiste c печатной графикой ведущих художников и скульпторов ХХ века. Особое место среди изданий Ильязда занимает его сотрудничество с Пабло Пикассо. На протяжении многих лет их связывала и личная дружба.
Выставочный проект, подготовленный нами совместно с частными коллекционерами, с которыми музей связывает многолетнее сотрудничество, призван продемонстрировать во всей полноте работы, созданные в творческом сотрудничестве двух мастеров ХХ века. Особое значение имеет для нас возможность показать этот проект в Доме-музее Пабло Пикассо в Малаге, в доме, где родился крупнейший художник прошлого века. В 1991 году наш музей привозил в Малагу графические работы из своего собрания. С особой радостью спустя почти тридцать лет мы возвращаемся в это знаковое для всех любителей искусства место”.

Кутор выставки, коллекционер Борис Фридман:
“Выставка «Ильязд & Пикассо» впервые столь масштабно представляет совместное творчество и личные отношения таких, казалось бы, разных мастеров ХХ века. В процессе подготовки выставки, при подробном изучении материалов жизни и творчества Ильи Зданевича и неоднократных посещениях его обширного архива в Марселе, мне все чаще и чаще стали попадаться на глаза многократные свидетельства его творческого союза и многолетней дружбы с Пабло Пикассо. Однако убедительных подтверждений этому в обширной литературе о творчестве и жизненном пути художника мне обнаружить никак не удавалось. Именно это обстоятельство подвигло меня к поиску и изучению материалов, связанных с работой Ильязда над книгами livre d’artiste с печатной графикой Пикассо. И чем дальше я продвигался по этому пути, тем все больше и больше прояснялись обстоятельства, являющие собой очевидность особых отношений дружбы и творчества, сложившихся между Ильяздом и Пикассо”.

Вице-президент группы компаний ЛАНИТ по социальным проектам Елена Генс:
“Эта выставка – первая после ухода моего отца, Георгия Генса, которая откроется уже без него. Тем больше ее эмоциональное значение для нас. Нам очень важно понимать, что то, что он делал, продолжается, и вносит свой вклад. И мы очень рады, что коллекция живет и что наше творческое взаимодействие с Пушкинским музеем тоже растет и развивается.
Выставка была задумана еще при жизни отца. Очень жаль, что он не застал этот первый международный выезд своей коллекции, но то, что это получилось, – один из лучших способов еще раз его вспомнить. Наши работы начали путешествовать по миру, – это новый большой этап для нас. Я очень благодарна Борису Фридману и Марине Лошак за то, что они сделали это возможным. Для меня большая честь и ценность – продолжать не только начатую папой работу, но и теплую творческую дружбу с такими вдохновляющими людьми. Выставка, которую мы сейчас делаем, – тоже иллюстрация многолетней творческой дружбы, получилось почти символично”.

Даты проведения: 5 апреля — 23 июня 2019

Место проведения: Дом-музей Пабло Пикассо, площадь Мерсед 13, 15, Малага (Испания)

Куратор выставки: коллекционер Борис Фридман

Пресс-показ: 4 апреля, 11:00

Центр фотографии имени братьев Люмьер представляет выставку одного из самых известных фотографов Франции, мировой легенды фотографии моды, кавалера Ордена Почетного легиона и Ордена Искусств и Литературы – Жана-Даниэля Лорье. Творчество французского фотографа ставят в один ряд с такими классиками фотографии как Хельмут Ньютон и Ги Бурден. Ежегодно его выставки проходят в крупнейших городах мира, включая Париж, Гонконг и Лос-Анджелес.

Жан-Даниэль Лорье получил художественное образование в Национальной Высшей Школе Искусств и Ремесел Франции. В 1960 году его направили служить штатным фотографом на алжирскую войну. По возвращении из Алжира, он продолжил заниматься фотографией, работая в знаменитой парижской фотостудии Harcourt. У них он перенял опыт работы со светом и тенью – студия Harcourt приобрела известность во всем мире благодаря черно-белым студийным портретам с жестким, контрастным освещением, создающим драматический эффект.

Становление Лорье, как fashion-фотографа приходится на 1970-е и 80-е годы, период расцвета индустрии моды и глянцевых журналов. Он получил широкую известность, работая с такими крупными изданиями, как Vogue, L’Officiel, Harper’s Bazaar, а также с домами высокой моды – Dior, Lanvin, Céline, Pierre Cardin среди прочих. Среди его друзей и клиентов были такие знаменитости как Дэвид Линч, Изабель Аджани, Шарль Азнавур, Карла Бруни, Клаудия Шиффер и многие другие. Помимо моделей, звезд кино и музыкантов, ему довелось снимать и политиков, в частности Жака Ширака, для которого он оформил серию плакатов для его избирательной кампании в 1988 году.

На персональной выставке автора будут представлены работы 1970-х, 80-х и 90-х годов. После военной службы в Алжире, Лорье начал снимать только красочные и жизнерадостные фотографии. Характерной чертой его авторского стиля стало использование насыщенных контрастных цветов. В поисках солнца и атмосферы dolce vita, он снимал супермоделей и знаменитостей в райских уголках планеты, среди которых Марокко, Тунис, Маврикий и Сейшельские острова. Как вспоминает сам автор: «Я решил выразить свободу и счастье в своих фотографиях». Его работы – невероятно сочные и яркие, на которых моделей окружает синее море и небо, согревающее солнце и белый песок. Это и есть оазис счастья и свободы для автора.

В рамках выставки пройдет встреча с Жаном-Даниэлем Лорье, на которой фотограф расскажет о своем творчестве, многочисленных путешествиях, fashion-фотографии и работе с именитыми домами мод и мировыми глянцевыми журналами.

Известный московский художник Татьяна Ян представит свой новый персональный проект  «Opus incertum»* в Антикварном центре на Садовом.

Название выставки определил ее жанр – работы разного времени и разных циклов, созданные в различных материалах и технике. Другая причина так назвать выставку –собственно тема Рима, которая больше пяти лет остается главной в работах художника. Начавшись образом Вечного города, сегодня эта тема стала шире – вглядывание в античность, феномен ее присутствия в современности, возможность по-прежнему видеть в античности сегодня живой эталон и меру – это пластическое размышление стало темой для последней серии работ в живописи и печатных техниках.

Экспозиция развернута в залах недавно открытого московского Антикварного центра – новая площадка, объединяющая лучшие антикварные галереи, что создает для выставки Ян уникальную культурно-историческую перспективу. А все вместе – и современное авторское высказывание, и искусство, преодолевшее время, образуют еще один смысловой Opus incertum.

Татьяна Ян относится к тем современным художникам, которые возвращают зрителя к историческим высотам мирового искусства, поднимая феномен ускользающей актуальности до контекста вечных ценностей.

География поиска ее творческих вдохновений располагается на территории различных стран, в толще различных культур. Художник постоянно путешествует, и цель этих передвижений – проникновение в глубину художественного опыта посещаемого места, его памятников искусства и архитектуры.

«Эта живопись органично соединяет в себе аскетизм ранних византийских икон, его энергетийную дисциплинарность в русской религиозной символике и естественно перетекает в избыточные формы венецианской школы Ренессанса».

Виталий Пацюков, искусствовед, куратор

Об авторе: Татьяна Ян живет и работает в Москве. Окончила Московский полиграфический институт.  С 1992 г. член МСХ, член творческого союза художников России (ТСХ) и арт-ассоциации Taylor Foundation (Париж). Награждена серебряной медалью Академии художеств. Основной вид деятельности – станковая живопись. Участвует в разнообразных по технике и масштабу проектах: печатная графика и фотография, книжный дизайн, оформление спектаклей, монументальная живопись. Персональных выставок в России и за рубежом более 30.

Даты проведения: 1 апреля – 30 апреля 2019 (открытие 3 апреля, 18.00)

Место проведения: Антикварный центр на Садовом, Садовая-Кудринская ул., 25

29 марта 2019 г. POP UP MUSEUM состоится открытие сдвоенной выставки кураторов Дмитрия Плоткина и Любови Бутко «Красный конь Революции» и «Начало новой эры».

В Культуре одной из важнейших ее доминант является историческая память и ее художественное осмысление. В проекте «Красный конь революции» мы видим очень своевременное, современное и актуальное обращение к нашей недавней Истории, к целой эпохе в жизни народа, объединенного СССР, а ныне мучительно осмысляющий свое новое состояние. В этой духовной работе принимают участие многие фактологические материалы, мифы и стремление осветлить прошлое, придав ему больше положительного звучания.

Автор проекта – Дмитрий Плоткин, который уже на протяжении 30 лет последовательно исследует феномен человеческой цивилизации и ее главной составляющей – Культуры, на этот раз предлагает нам свое понимание исторического процесса, как некоего периодически повторяющегося «канона».

Для этого он использует разнообразный инструментарий. С одной стороны это картины, присутствие которых в проекте, превращает его именно в художественный. И здесь мы видим очень точное попадание с выбором авторов, написавших полотна-парафразы на известную картину Петрова-Водкина «Купание красного коня». Каждому художнику удалось блестяще выразить основные тезисы проекта, определяющие его в философское послание.

Вы увидите:

Картина самого Кузьмы Петрова-Водкина демонстрирует романтический посыл – его современники ждали и хотели перемен и не боялись грядущего насилия.

В картине Ольги Кулагиной «Рождение красного» передана идея созидающая сила, приводящая к появлению «новой галактики»…

В картине Дмитрия Плоткина «Универсальная река абсолютной любви» показана кроваво-красная стихия желания построить новую жизнь, невзирая ни на какие жертвы.

Полотно «Жизнь» Игоря Соловьева отсылает нас ко времени, когда процесс создания «Нового мира» превращается в повседневную рутину, лишенную подвига.

Александр Элмар в своей картине «Конь Блед» ставит финальную точку-приговор Большой эпохе и предвещает наступление нового времени.

Вторым важным языком являются хроникальные фотографии, объективно освещающие подвиги и трагедии нашей недавней истории.

И наконец, еще одним важнейшим выразительным языком в этом проекте являются плакаты, которые ведут с хроникальными фотографиями бескомпромиссный диалог, позволяющий полнее ощутить историческую правду.

Эту часть проекта под названием “Начало новой эры” (куратор – Любовь Бутко, партнер арт-проекта – галерея Rarita) вы на этот раз увидите вперемешку с основными работами. В ней представлены редкие дореволюционные и советские плакаты, гравюры, атрибутика советской эпохи. Начав экскурс в прошлое с экспоната «Страшный суд» 1906 года, зрители увидят все основные этапы жизни страны, вплоть до 1991 года. Заглянут в старый чемодан с личными вещами и документами советского человека…

Кураторы: Дмитрий Плоткин и Любовь Бутко.

Открытие состоится  –  18.00, 29 марта 2019 года.

Период работы выставки – с 29 марта по 1 мая 2019 года.

Адрес выставки – Москва, ул. Бутлерова д. 17, Дизайнерский БЦ NEO GEO, POP UP MUSEUM cовременного русского искусства.

Регистрация посетителей на открытие выставки будет проходить предварительно по телефону: +7 985 774 29 36. Все остальные дни выставка будет работать в режиме свободного посещения с 12.00 до 20.00.

Организаторы:
NIKOLSKAYA GALLERY www.nikolskayagallery.com
POP UP MUSEUM www.popupmuseum.art

Партнеры:
STONE HEDGE www.stonehedge.ru
NEO GEO www.neo-geo.ru
SCI-ONE www.sci-one.tv
SKOLKOVO VISION www.skvision.ru

СТЕНА Винзавода принимает заявки на участие: открытый open call проходит с 18 марта по 22 апреля.

Проект СТЕНА на Винзаводе — свободное пространство для диалога с уличным искусством. Каждый новый слой — новый проект street art в главном арт-кластере страны.

Винзавод в 2008 году поддержал инициативу запуска СТЕНЫ на своей территории, как необходимого проекта для поддержки уличного искусства, наиболее независимого и яркого в современной культуре. Поддержка уличного искусства за более чем десятилетнюю историю Винзавода превратилась в традицию, сам проект СТЕНА обновил слои более 30 раз и среди авторов отметились наиболее значимые представители уличного и современного искусства, как Алексей Каллима, Кирилл Кто, ЧТАК, Тимофей Радя, Паша 183 и многие другие.

Согласно обновленной концепции развития Винзавода в 2018 году, основные стратегические направления институции – Новые имена и Образование. СТЕНА наравне со СТАРТОМ и Открытыми студиями вошла в направление Новые имена, призванного способствовать и поддерживать начинающих художников в их реализации. Для развития каждого проекта разработана внутренняя инфраструктура, включающая экспертный совет и конкурсный отбор.

В 2016 году Винзавод пригласил курировать СТЕНУ команду АРТМОССФЕРА, при поддержке творческого объединения художники уличной волны Иван Найнти, Андрей Ведро, Вова Перкин, граффити-команда Letme, Владимир Абих, Юля Ванифатьева и Александр Blot, а также известный нью-йоркский граффити-художник Faust создали новые слои.

Структура конкурса: художники присылают концепции и эскизы грядущих проектов в оргкомитет конкурса в виде заявок. Жюри конкурса выступят основатели и привлеченные эксперты АРТМОССФЕРЫ и Винзавода.

Кто сможет принять участие: в режиме открытого конкурса в проекте СТЕНА смогут принять участие все желающие художники с бэкграундом в уличном искусстве, как столичные, так и региональные.

Этапы:

1. Open call: 20 марта — 22 апреля.
2. Реализация художественных работ: 20 мая — 30 ноября.

Конкурс проекта СТЕНА входит в обновленную совместную программу Винзавода и команды АРТМОССФЕРА. В планах объединения — запуск летней программы, уличной образовательной платформы, скейт площадки.

АРТМОССФЕРА — независимое творческое объединение, агент поддержки и развития уличного искусства в России, создатель и организатор единственной в России и мире Биеннале искусства уличной волны (2014/2016/2018), которая знакомит публику со звездами стрит-арта. Основатели объединения — Сабина Чагина и Юлия Василенко. Цель объединения — изучение уличного искусства, создание платформы для развития местного стрит-арт сообщества, инициирование новых имен и изменение облика городских пространств.

Винзавод — первый и самый большой частный центр современного искусства в России, объединяющий галереи, образовательные программы, студии, мастерские и шоу-румы. Фонд поддержки современного искусства Винзавод учрежден в 2008 году для поддержки современного российского искусства. Основными направлениями деятельности фонда стали программы Новые имена и Образование.
Новые имена – создание, развитие инструментов для появления и поддержки новых имен в современном российском искусстве.
Образование – внедрение, интеграция и поддержка междисциплинарных образовательных практик для развития отдельных профессий в современном искусстве.
Основная миссия Винзавода — поддержка и развитие современного российского искусства.

14 марта в галерее «Загорье» Объединения «Выставочные залы Москвы» откроется выставка МАММ «Москва в фотографиях Александра Родченко».

Посетители выставки смогут познакомиться с хрестоматийными работами одного из величайших вдохновителей актуального искусства прошлого столетия, пионера советской фотографии, при жизни ставшего её классиком.

Московская серия Родченко – это бесконечная и интригующая череда эпизодов городской жизни.

На выставке будут представлены восемьдесят пять фотографий Родченко, сделанных в период с 1926 по 1938 год. Это репортажные съемки с улиц города («Папиросница Моссельпрома», «Поливка улиц», «Доставка пострадавшего», «Праздник книги»), сделанные под непривычным углом, и в непривычном для обывателя ракурсе. Неординарность работ Родченко не только в этом, но и в интуитивно уловленной автором неповторимой атмосфере Москвы того времени.

Выставка позволит окунуться в суматошную булгаковскую Москву, где перемешалось трагичное и комичное, пафосное и приземленное. Благодаря фотографическому гению Родченко проникнуться духом эпохи — суровой, но все-таки полной надежд на светлое будущее.

Дата проведения: 14 марта-26 мая 2019 года
Вернисаж: 13 марта, 18:00. Вход на вернисаж свободный
Время работы выставки: Вторник-воскресенье 11:00-20:00. Понедельник: выходной
Стоимость: 100 рублей (полный), 50 рублей (льготный)
Место проведения: Объединение «Выставочные залы Москвы» Галерея «Загорье» (Лебедянская, 24, кор. 2, метро Царицыно, Кантемировская)

В POP UP MUSEUM современного русского искусства открывается персональная выставка Елены Старковой “Цвет. Свет. Цветы”.

1 марта 2019 года NIKOLSKAYA GALLERY и POP UP MUSEUM при поддержке Дизайнерского БЦ NEO GEOи компании STONE HEDGE представляют масштабную выставку российской художницы Елены Старковой «Цвет. Свет. Цветы». В экспозицию выставки входят 93 работы, живопись и графика.

Работы этой серии посвящены разнообразным природным явлениям, взаимодействие с которыми дарит человеку исключительно приятные впечатления. Старкова уверена, что современное искусство нуждается в позитивных эмоциях, во взгляде на созидательную сторону жизни. Смелые сочетания ярких цветов подтверждают ее жизненную позицию и буквально пронзают зрителя своей теплотой.

Елена Старкова родилась в Ростове-на-Дону в 1980 году, выросла и живет в Москве. Журналист по образованию, выпускница МГУ им. Ломоносова, будущая художница рано осознала свое предназначение. Получив второе образование в Академической Школе Дизайна, далее несколько лет обучалась академическому рисунку у заслуженного учителя России и члена Союза художников Александра Гудкова. Опыт работы с Гудковым принес свои плоды, и талант Старковой оценили многие московские галереи, такие как А3, Сэм Брук, Солянка, «ЗДЕСЬ на Таганке» и др. Елена Старкова – участник большого количества выставок в России, Германии, Швейцарии, Казахстане, Индии. Автор более 500 работ, большая часть которых находится в частных коллекциях. В 2015 году на фестивале «ARTBATFEST» в Алма-Ате представила первый видео-арт проект «Всемирное Ухо» совместно в художником Клодом Штайнером (Цюрих).

Творчество Старковой – неординарное явление в современном художественном мире. Наследуя традиции конструктивизма и супрематизма, художница работает на стыке этих концепций. Цветовая гамма картин очень ранообразна, что позволяет отразить полный спектр человеческой рефлексии при взаимодействии с природой. Большинство работ представляют собой отражение эмоций и пейзажи, будто фрагментированные, пропущенные через калейдоскоп. Удивительным образом сочетаются геометрические фигуры, составляя психологизированную композицию.

В некоторых работах использованы цвета, казалось бы, совсем не вызывающие ассоциаций с изображенным – так, например, в картине «Полнолуние» преобладает зеленый, а в картине «Инь-Янь» вместо привычного монохрома использованы оттенки синего и серого. Художница привлекает внимание к важности смены привычного взгляда на вещи и необходимости искусства смотреть под разными углами.

Округлые фигуры и их цветовые сочетания вызывают в памяти творения первой абстракционистки Хильмы аф Клинт. Ее спиритические искания, несомненно, духовно близки творческому мышлению Старковой. Художница часто путешествует по Азии, в том числе она провела год в Индии, открыв собственную галерею.

Интуитивный поиск формы для отражения впечатлений приводит Старкову к уникальному стилю художественного изображения. Ее значимое место в современном искусстве, несомненно, оправдано для нас: оно позволяет разнообразить представление о динамичности фигур и событий, а также задуматься о том, как далеко может уйти наше воображение в поиске абстрактных интерпретаций окружающего мира.

О выставке “Цвет. Свет. Цветы”
Открытие выставки – 1 марта 2019 года в 18.00.

Период работы выставки – с 1 марта по 31 мая  2019 года.

Адрес выставки – Москва, ул. Бутлерова д. 17, POP UP MUSEUM, cовременного русского искусства, Атриум 5, Дизайнерский БЦ NEOGEO.

Регистрация посетителей на открытие выставки будет проходить предварительно по телефону: +7 985 774 29 36.

Остальные дни выставка работает в режиме свободного посещения: с 12.00 до 20.00.

Выходной: понедельник.

Кураторы:Ирина Никольская, Юлия Пахомова

Организаторы: 

NIKOLSKAYAGALLERY www.nikolskayagallery.com

POP UP MUSEUM www.popupmuseum.art

Партнеры: 

STONE HEDGE www.stonehedge.ru

NEO GEO www.neo-geo.ru

Арт галерея VS unio при поддержке Екатеринбургской галереи современного искусства с 19 февраля представляет на своей московской площадке на АРМЕ уникальную совместную коллаборацию фигуративной фотографии Георгия Майера и абстрактной живописи Сергея Брюханова в одноименном проекте «Майер VS Брюханов». У гостей впервые появится возможность увидеть живопись и фотографию не в конкуренции, а во взаимодействии. В пространстве галереи классический спор уйдет в прошлое и родится актуальный диалог современности.

Впервые в галерее VS unio будет создана оригинальная экспозиция, помогающая зрителю открыть для себя не только новые качества живописи и фотографии, но и понять художественную созвучность подходов двух признанных современных мастеров. Сергей Брюханов в своем полиптихе «Спектры» продолжает использовать утвердившийся в теории и на практике язык «цветоформ» художников-авангардистов. В то время как эстетика светотеневого рисунка модернистской фотографии вдохновила Георгия Майера на создание изящных снимков серии «Libido&Mortido».
Георгий Майер «Libido&Mortido»

В произведениях обоих художников, представленных на выставке, главенствующая роль отведена композиции. Сергей Брюханов строит ее с помощью цвета. Благодаря богатому цветовому спектру живописец создает знакомые природные формы и конструкции. Согласно теории Брюханова цвет – это свет, прошедший сквозь призму чувственного восприятия. Богатая палитра его абстрактных работ способна не просто раскрывать на холсте объекты окружающего мира, но и дать почувствовать эмоцию, заложенную художником.
Сергей Брюханов “Белый квадрат”

Аналогичный принцип создания формы можно проследить в работе фотохудожника Георгия Майера, подход которого основан на игре света и тени, его спектр – ахроматический, весь диапазон чёрно-белой «палитры», выстраивающий строгие линии. Как и для классика чешской фотографии Франтишека Дртикола, чьи эксперименты повлияли на всё последующее развитие фэшн и ню фото, для Георгия Майера источником вдохновения служит женская натура, преобразованная магической игрой света и тени.
Необычный формат соединения фотографии и живописи представляет гармоничное взаимодействие Цвета, Света и Тени.

О художниках:

Сергей Брюханов
Российский художник-абстракционист. Родился 28 августа 1959 года в городе Копейск Челябинской области. С 2006 года живет в Москве. Работает преимущественно с масляной живописью и в технике коллажа, стремится передавать свет посредством цвета и сочетания фактур. Принадлежит к числу художников, чье творчество определило художественно-эстетические искания второй половины ХХ века в России, его работы хранятся в ведущих музеях России и частных коллекциях США и стран Европы.

Георгий Майер
Фотограф, дизайнер, художник, Член Союза Фотохудожников России. Родился в городе Нижний Тагил в 1985 году. В 2004-м году с отличием закончил Уральское Училище Прикладного Искусства (колледж) в городе Нижний Тагил по специальности «Дизайнер среды». Участник и лауреат множества международных фотоконкурсов, выработавший собственный почерк студийной съемки и завоевавший имя в сфере художественной и модной фотографии.

Даты проведения: 19 февраля – 27 апреля 2019 г.
Адрес галереи: Бизнес-квартал «АРМА», Нижний Сусальный пер., д.5, стр. 5А, – 1 этаж.
Время работы галереи: вторник – суббота 12:00 – 20:00.
Вход свободный
vsunio.com

Центр фотографии имени братьев Люмьер впервые открывает российской публике творчество молодого шведского фотографа Эрика Йоханссона, известного своими постановочными сюрреалистическими пейзажами. Каждая его работа состоит из фрагментов множества кадров, тщательно обработанных и ловко объединённых в графическом редакторе. Йоханссон смело вторгается с манипуляциями в изображение, конструируя фантазийные образы и расширяя границы человеческого восприятия.

С ранних лет он беспрестанно рисовал, вдохновляясь работами великих художников-сюрреалистов: Рене Магритта, Сальвадора Дали и графикой Маурица Эшера, пока не обзавелся фотокамерой и не освоил графическую обработку изображений. Поначалу это был лишь увлекательный эксперимент, но совсем скоро Йоханссон полностью посвятил себя фотографии, однако не в классическом её понимании.

Эрик не фиксирует момент, но реализует свои фантазии, используя фотокамеру и полностью конструируя места и ситуации. Совмещая в кадре реально существующие объекты, он стремится к максимальной реалистичности изображения, так что его фантазийные миры кажутся настоящими. «Никто не может сказать, что это не выглядит реалистично, если я действительно запечатлел все это на камеру» – комментирует автор, определяя свой стиль как «фотореалистический сюрреализм».

Весь процесс создания работы у Эрика делится на три стадии. Первая – это рисунок. Автор прорабатывает множество идей, фиксируя их на бумаге. Отобрав самое лучшее, он ищет места, предметы и архитектурные сооружения, которые могут стать частью финального изображения. Эта стадия может растянуться на месяцы и даже годы. Затем он фотографирует найденные объекты и после работает над отснятым материалом на компьютере, соединяя элементы и обрабатывая кадр. Все этапы процесса в равной степени важны для получения финального изображения.

В каждой работе Йоханссона непременно присутствует элемент загадочности и волшебства. Слово «магическое» имеет те же корни, что и немецкое «mögen» – «мочь», «быть способным к чему-то». Магия фотографий Эрика Йоханссона сводится к тому, чтобы захватить невозможное и представить это максимально реалистично. Изображаемые им предметы свободны от связей, существующих между вещами в мире повседневности. В созданной им реальности овечья шерсть превращается в кучевые облака, день приходит на смену ночи, благодаря регулировщику, который подобно греческому богу Хроносу, следит за ходом времени, где бьются руки, но никогда – вазы.

Страсть Эрика к рисованию и его интерес к манипуляции человеческим восприятием реализуются также в проектах в публичных местах. Он создает «уличные иллюзии» в 3D – крупномасштабные рисунки, трансформирующие пространство улицы, завораживая прохожих своей реалистичностью.

Фотографические проекты автора были показаны в разных городах мира, включая Швецию, Чехию и Австралию. В 2011 году он выступал на конференции TED в Лондоне. В начале 2016 года Эрик выпустил свою первую книгу «IMAGINE», в которую вошли фотографии из его личных проектов, созданных за последние 9 лет.

Йоханссон работает и в сфере рекламы. Он сотрудничал с такими мировыми брендами, как Microsoft, Google, Adobe, Volvo, Toyota.

Главный куратор Центра фотографии имени братьев Люмьер Наталья Григорьева-Литвинская: “Творчество Эрика Йоханссона для меня открыла 11-летняя дочь Элиза. Каждый год в июле я приезжаю на фестиваль фотографии в Арле – это крупнейшая площадка Европы, посвящённая фотографическому искусству. Элиза все это время путешествует со мной, она выросла на фотографии. Проект Эрика нашла именно она – на конкурсе фотографической книги в рамках фестиваля в прошлом году. Элиза так восхищалась его работами, при этом достаточно чётко пояснила свой выбор, что я сделала все чтобы найти автора и договориться с ним о проекте в Москве у нас в Центре фотографии. Сама тема и жанр его работ редки для фотографии, именно поэтому он настолько сильно выделяется сегодня среди прочих достойных имён. Я прекрасно понимаю, что его проект понравится молодой аудитории, но рассчитываю, что и знатоки фотографии оценят его вклад в развитие этого вида искусства.

В рамках выставки «По ту сторону реальности» 14 февраля состоится встреча с автором. За обновлениями следите на официальном сайте Центра фотографии www.lumiere.ru.

13 февраля 2019 года Музей русского импрессионизма совместно с Государственной Третьяковской галереей представит проект «Николай Мещерин. Выход из суеты» – ретроспективную выставку художника, который был одним из верных последователей философии французского импрессионизма и одним из мастеров, привносивших импрессионистические приемы в русскую живопись рубежа XIX–XX веков. В экспозицию
войдут более 100 работ из семнадцати государственных и частных музеев и пяти крупных собраний российских коллекционеров.

Москва, 1897 год. Предприниматель Сергей Щукин начинает покупать для своей коллекции работы французских импрессионистов – Камиля Писсарро, Клода Моне, Огюста Ренуара, Эдгара Дега. Затем он увлечется постимпрессионистами и откроет свой дом для посещения публики.

В 1897 году другой московский предприниматель, сын основателя Даниловской мануфактуры Николай Мещерин тоже пытается постичь новое искусство, способное запечатлеть мгновение во всей его прелести и красоте – прозрачность воздуха, неуловимость света и передать белый цвет без белой краски. Но Мещерин выбирает иной путь. В 33 года он оставляет успешный семейный бизнес и уезжает подальше от московской суеты в тихую усадьбу Дугино, где сам берется за кисть и посвящает закатные и предрассветные часы работе
на пленэре с мольбертом.

В 1890-х годах Клод Моне пишет серию из 30 картин, на каждой изображен Руанский собор в разное время суток. Мастер стремится поймать ускользающий свет, показать его изменяющуюся природу, продемонстрировать, что не только предмет, но и эффекты влияют на наше восприятие и настроение картины.

Практически теми же самыми опытами – поиском света и цвета – увлечен несколько лет спустя в имении Дугино Николай Мещерин. Художник ведет подробный дневник, где делает записи своих наблюдений. Он пишет серии этюдов на закате и рассвете. Впервые собранная вместе серия этюдов будет представлена на выставке.
В 1890-х годах импрессионист Эдгар Дега свое увлечение фотографией сочетает с живописью. Фотография становится важным этапом в поиске более свежей и необычной композиции для его полотен.
Богатый наследник Николай Мещерин тоже мог позволить себе во многом еще диковинное для России увлечение – любительскую фотографию. До сегодняшнего дня дошло 48 подлинных отпечатков. Снимки были сделаны художником в Дугине и окрестностях усадьбы в 1886-1887 годах. Изображения пейзажей, сцен охоты, групповых портретов родных и близких Мещерина были переданы Государственной Третьяковской галерее реставратором Николаем Гагманом более десяти лет назад и до этого момента хранились в запасниках.

Предприниматель и меценат Николай Мещерин поздно взялся за кисть, но даже не окончив художественной академии, смог заслужить уважение коллег и собрать в своем родовом гнезде – подмосковной усадьбе Дугино – талантливых единомышленников: Игоря Грабаря, Исаака Левитана, Алексея Степанова, Василия Переплетчикова и других. Сегодня дом в Дугине практически утратил исторические черты. В советские годы он подвергся серьезной перестройке. Работы известных гостей старинного поместья, датированные началом прошлого века, на выставке окажутся рядом с картинами и этюдами Мещерина. А тематические блоки позволят совершить путешествие во времени через смену сезонов – зиму, весну, лето и осень.

Для ретроспективы Музей русского импрессионизма собирает картины из частных коллекций и государственных собраний по всей России: из Перми, Казани, Иванова, Вологды, Курска, Вятки, Астрахани, Вольска, Краснодара. Вместе с полотнами и фотографиями Государственной Третьяковской галереи на выставке будут представлены экспонаты Государственного Русского музея (Санкт-Петербург) и московских ИРРИ, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Музея Москвы, Государственного музея истории российской
литературы им. В.И. Даля, Музея музыкальной культуры им. М. И. Глинки.
К выставке «Николай Мещерин. Выход из суеты» Музей русского импрессионизма готовит получасовой саундпроменад. Это будет музыкальная экскурсия по экспозиции, которую проведет для каждого зрителя сам художник. В аудиоспектакле оживут сюжеты картин, прозвучат самые яркие и интересные подробности жизни Николая Мещерина и обитателей усадьбы Дугино. Главных героев – самого Мещерина, его жену и друга Игоря Грабаря озвучат известные актеры.