Выставочный проект «Леонид Пурыгин. Любовь и я» пройдет в галерее ARTSTORY с 15 июня по 1 августа 2021. Выставка посвящена 70-летию мастера, успевшего за совсем короткую жизнь (1951–1995), не только оставить немалое творческое наследие, но и создать собственный, узнаваемый, фантастический мир.

Главная тема произведений Леонида Пурыгина – любовь. В одной из своих книг художник обозначает «цель» своего творчества – создание храма Всеобщей любви. «Всеобщая любовь – вот цель жизни моей. Отдайся ей будь достоин ее. Люби и научи любить другого – другой научит своего друга любви. Ради всеобщей любви. Во имя всеобщей любви» («Публия», 1993). О любви художник говорит прямо и без стеснения, выбрав для этого понятный любой публике эротический язык символов, знаков и жестов. Нередко в работах автора можно наблюдать откровенные сцены, которые, однако, по его собственным убеждениям, призваны не эпатировать, но стать репрезентацией Всеобщей любви.

Часто работы художника требуют дополнительных комментариев, и Пурыгин охотно дает их в текстах, обильно усеивающих его полотна, – они не столько объясняют смысл, а, скорее, создают более полную картину. Способствуют более глубокому погружению в удивительный и странный, но такой притягательный мир. Тексты художника-публициста, художника-философа – яркие и запоминающиеся. Со всей своей эмоциональностью и провокативностью, они являются своеобразным сюрреалистически-символическим манифестом творчества Пурыгина.

Художник выступал ключевой фигурой в большинстве своих произведений, создавая собственную космогонию, окружая себя личными фантомами – будь то «Голубая женщина-ангел», спасающая художника из ада (на выставке ее можно разглядеть в работах «Распятие», «Космический архангел»), или ее антипод, фантастический зверь «Пипа» («Голубая пипа»). Но, главное, это он сам: «Лёня Пурыгин. Художник из Нары. Гениальный», – именно так, кстати, и было написано на его визитных карточках. Да и почти на всех его работах. Созданный им самим и тщательно культивируемый мир: «И увидел я в страданиях Парк культуры и отдыха им. Лени Пурыгина», «Человек и пароход Леонид Пурыгин», «Муза Пурыгина», «Автопортрет в генеральском мундире».

В творчестве Пурыгина множество отсылок к народным промыслам. Создавая лубочные изображения, художник использовал приемы, характерные для народного искусства, например, выделение масштабом главных персонажей или пародирование, «выворачивание наизнанку» как особый тип эпических трансформаций героев. Часто использовал форму складня – мифологической модели мира. И вообще, стилистически и сюжетно его картины напоминают иконы. Это неудивительно, особенно если помнить идею художника о создании Храма любви. Позднесоветский художник-аутсайдер создает «иконы» своего времени. Искусство Леонида Пурыгина являет собой некое божественное откровение, материальное воплощение его собственной космологии.

О художнике:

Леонид Пурыгин родился в военном городке близ Наро-Фоминска в семье кадрового офицера, который, выйдя в отставку, создавал модели кукол для игрушечной фабрики и даже стал ее директором. В скором времени именно магически-парадоксальный объект игрушка превратил юного Леню в художника. В 1965 он оставил школу и жил случайными заработками. С 1969 посещал студию при наро-фоминском Доме культуры. Несколько раз безуспешно пытался поступить в Художественное училище имени 1905 года. Выступая как живописец с начала 1970-х годов, получил известность в узкой сфере квартирного «андерграунда». Не раз попадал в психиатрические лечебницы. Занимал в 1980-е годы студию в Фурманном переулке (который позже дал название целому направлению «неофициального» искусства), но практически не примыкая к каким-либо группировкам, шел своим путем. Этот путь стал этапным выражением типических черт «ар брют», как особой разновидности «наивного искусства», заменяющей его традиционно-идиллические настроения шизоаналитическими «персональными мифологиями». Представленные на московском аукционе фирмы Sotheby’s в 1988, два «психоделических алтаря» – Пипа (Видение на озере Охват), 1985; Молох (Смерть голубой бабочки), ознаменовали триумфальный выход Пурыгина на международный арт-рынок.

В 1989 году Пурыгин эмигрировал в США, поселившись в Нью-Йорке, где закрепил свой успех при поддержке галереи «Эдуард Нахамкин». Наезжая в Москву, организовал в 1992 выставку современного российского «наивного искусства» и специальную галерею, с помощью которой стремился поддержать стилистически близких ему молодых художников. Издал три книги прозы, написанных в манере «потока сознания» (Хреновины. Минироманы, 1990; Космическая дурочка, 1993; Публия, 1993). Умер Пурыгин в Москве от инфаркта во время очередного приезда на родину.

Работы художника находятся во многих частных и музейных собраниях, включая ГТГ, ММОМА, Музей П.Людвига, музей Генри Наннена, Boca Museum of Art, ARTSTORY Gallery, Eduard Nakhamkin Fine Arts Gallery и др.

Возрастной ценз для посетителей выставки: 18+

Более 100 фотографий, выполненных в разных жанрах, представят в Галерее Классической Фотографии.

10 июня в Галерее Классической Фотографии откроется самая масштабная за последнее время выставка современной российской фотографии «ФотоТоп». Экспозиция объединит более пятидесяти фотографов нескольких поколений, многие из которых до этого никогда не выставлялись вместе.

Василий Прудников

«ФотоТоп» представит около 200 значимых произведений современных фотохудожников, работающих в разных направлениях и жанрах: репортаж, психологический портрет, пейзаж, пикториальная и уличная фотография и т.д. В рамках экспозиции можно будет увидеть работы известных и узнаваемых мастеров художественной и концептуальной фотографии, в числе которых постмодернист Андрей Чежин, творческий дуэт Валерия и Натальи Черкашиных, работающих с визуальным наследием СССР, продолжатель традиции русского авангарда Вадим Гущин, один из самых талантливых российских портретистов Олег Виденин, автор культовых снимков известных художников и музыкантов Сергей Борисов и другие.

Виктор Рибас

Особое место на выставке занимает экспозиция избранных работ выдающегося художника Сергея Чиликова — одного из самых ярких лидеров новой фотографии, появившейся в СССР в 1970-е годы. В неё вошло 50 снимков, в том числе — серия фотографий из русской глубинки, принёсших фотографу мировую известность.

Помимо опытных мастеров, на выставке будет представлено целое поколение авторов, для которых настало время перехода из статуса «молодых» художников в статус состоявшихся. Многие из них используют оригинальную технику съёмки и экспериментальные методы печати. Среди тем, которых коснутся авторы, — поиск себя, природа, красота женского тела, взаимодействие человека, истории и времени, поиск идентичности и ряд других актуальных вопросов.

Владимир Вяткин

Зрителям предлагается заглянуть в будущее отечественного фотоискусства и ответить на вопрос, кого уже сегодня можно назвать главными героями современной фотографической сцены.

«Проект «ФотоТоп» — это не рейтинг лучших фотографов, это площадка для общения художников разных поколений и зрителя, —  рассказывает куратор Олег Арнаутов. — Выставка представляет собой почти случайный срез современной российской фотографии, она позволяет увидеть, как работают наши художники сегодня, как развивается их творчество и какие темы их волнуют».

Илья Иванкин

В состав выставки вошли работы из собрания Галереи Классической Фотографии (среди них фотографии Леонида Лазарева, Франсиско Инфантэ-Арана, Артёма Василькова). Основную часть экспозиции составили снимки из собрания Новой галереи (Москва) и галереи «Зерно» (Санкт-Петербург). Персональную выставку Сергея Чиликова представляет куратор фотографических выставок Евгений Березнер. Кураторами выставки «ФотоТоп» выступили Олег Арнаутов, Алла Долгалева, Слава Кабанов.

Выставка продолжит свою работу до 22 августа. В рамках проекта запланированы мастер-классы и встречи с фотографами. Дополнительную информацию можно узнать на сайте галереи и в социальных сетях.

Еврейский музей и центр толерантности представляет выставку «“Маленькое” искусство». Она покажет более 130 работ Исаака Левитана, Василия Поленова, Валентина Серова, Ильи Репина, Михаила Врубеля, Константина Сомова, Казимира Малевича, Антонины Софроновой, Льва Бакста и других художников.

Эта выставка – собрание работ, которые обычно остаются в запасниках (в папках, на полках) после того, как для показа отобраны главные, «убедительные» предметы. Чаще всего на вернисажи не попадают вещи маленького размера, особенно если это только набросок или замысел композиции.

Но иногда маленький формат складывается в самую значительную часть наследия художника, сохраняя то, что о его даровании понимать важнее всего.

Выставка «“Маленькое” искусство» состоит из нескольких разделов, рассказывающих о разных смысловых воплощениях произведений маленького размера. Первая часть связана с наиболее понятной, вспомогательной функцией небольшого наброска. На примере работ Левитана, Поленова, Репина и других художников мы проследим движение от замысла в маленькой композиции к известным полотнам.

Со смещением академического распорядка в искусство модернистов приходит новое значение неоконченного рисунка, легкость отсутствия сюжета. Об этом вторая часть выставки. Маленькие форматы бумаги (у нее в это время новый удельный вес) с большой ясностью передают ценные свидетельства: манеру и последовательность работы художника. Быстрый рисунок сохраняет движение руки, (острое и очень точное у Бакста), а в акварелях Константина Сомова и без пояснения из его дневника видно, как скрупулезно художник работал даже над небольшим листком.

«Современная нам форма в искусстве – исследовательский институт», – так Казимир Малевич определил направление работы своего окружения. В Петрограде в 1924 году супрематисты работали над открытием универсальных формул мироустройства, а каждая композиция становилась их воплощением. Следующая часть экспозиции – о пафосе авангарда, его стремлении изменить большие и маленькие формы предметов. На выставке будет представлена уникальная графика Казимира Малевича, Михаила Ларионова, Николая Суетина, Ильи Чашника и других авторов авангардных движений 1910-1920-х гг.

«Камерное» – последняя тема в контексте разговора о «маленьком» искусстве – возникла во многом в связи с лагерными миниатюрами Михаила Соколова. Оказавшись в заключении, художник пытался сохранить возможность работать, используя доступные в условиях преследования материалы. Так появился цикл крошечных работ, близких к формату спичечного коробка.

Способность вместить в небольшой листок огромные человеческие переживания свойственна художникам, оказавшимся в 1930-е годы на периферии художественного пространства: Александру Шевченко, Павлу Басманову, Антонине Софроновой и многим другим.

Специально для выставки будет разработана программа для людей с разными типами инвалидности. Для слабовидящих и незрячих посетителей будут представлены тактильные модели и записан аудиогид с тифлокомментариями для самостоятельного посещения выставки.  Слабослышащие посетители смогут воспользоваться видеоэкскурсией на РЖЯ; также будут проводиться регулярные экскурсии с переводчиком для взрослых и детей. Кроме того, в рамках выставки музей подготовит экскурсии для посетителей с особенностями интеллектуального развития.

Работы для выставки предоставили Государственный музей изобразительных искусств им. Пушкина, Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей-заповедник «Петергоф», Музей-заповедник «Абрамцево», Государственный музей архитектуры им. Щусева, Музей-заповедник «Царское село» и другие музеи, а также частные собрания.

Art Design Human Studio (ADH) приглашает на открытие выставки “Воздушные Замки”. В выставке примут участие как российские, так и зарубежные художники: Николай Моргунов (Барселона, Испания), Алёна Мухина (Москва), Федора Акимова (Москва), Бруно Гамбоне (Флоренция, Италия), Владимир Чернышев (Нижний Новгород), Франсуа Пато (Брюссель, Бельгия).
Франсуа Пато (Брюссель, Бельгия)

Жизнь человека состоит из воспоминаний, подобно воздушным замкам они заполняют наше сознание. Одни из них могут вернуть нас в счастливые дни, другие, напротив, как невидимые свидетели ушедших событий, способны подкараулить нас в ночное время и вызвать кошмары. Так, можно наблюдать за паттернами ума и отслеживать откуда дует ветер. Но все наши слова, мысли – приходят, а не рождаются. Мозг сам создает нарратив, верит в него и разочаровывается, а всё, потому что очень сложно признать, что смысла в жизни нет. Есть жизнь и всё. Как погода.

Алёна Мухина (Москва)

Выставка «Воздушные Замки» – это попытка исследовать эти неуловимые процессы, посмотреть в будущее через призму прошлого и попробовать расширить поле воображения. Воспоминания как единовременные слепки человеческого подсознания наслаиваются и растворяются, напоминая о нашей постоянной трансформации. Только прочувствованное и пережитое никогда не забывается, это и есть единственно уловимая составляющая воспоминаний. Искусство базируется на опыте, а не на знании. Живопись, объекты и керамика, представленные на выставке, надежно хранят в себе фантомы памяти.
Владимир Чернышев (Нижний Новгород)

Монохромные картины Николая Моргунова – своеобразное сплетение траекторий и сеток как следов, оставленных деятельностью человека. Его работы – рефлексия на тему линий жизни, возможность удержать связь между реальным и воображаемым. Керамические вазы Алёны Мухиной – путь поиска самоидентификации и анализа внешних обстоятельств через смену неустойчивых фигур. Графика Владимира Чернышева показывает нам путь в потусторонний мир воспоминаний через своеобразные «арки» времени, они отражают неточность и уязвимость манящего мира грёз и воспоминаний.

Николай Моргунов (Барселона, Испания)

Воспоминания – словно отрывки из прошлого теряют свои яркость и резкость с течением времени. Без документального подтверждения, они притупляются в нашей памяти. Каждый раз, когда мы возвращаемся к воспоминанию, оно становится документированием самого себя и отдаляет нас от реального события. Эти искажения и проекции исследует Федора Акимова в своих объектах с элементами вышивки, а Франсуа Пато изучает влияние цветовых пятен как предполагаемую отсылку к самым ярким воспоминаниям. Ироничные керамические фигурки Бруно Гамбоне и объекты Алёны Мухиной возвращают нас в беззаботное детство.

Выставка стала результатом переосмысления темы трансформации памяти, внутренних переживаний и перерождений. Сегодняшний «я» никогда не будет похож на вчерашнего, поэтому и наши воспоминания всегда будут новыми.

Федора Акимова (Москва)

О галерее:
Art Design Human Studio (ADH) – галерея, основанная в 2019 году Анжелой Поповой и Татьяной Антоновой. Миссия ADH – продвижение молодых художников и дизайнеров в России и Европе, поиск новых культурных форматов и выстраивание связей между людьми и странами, а также формирование пространства для их свободного и открытого взаимодействия. В настоящий момент студия сотрудничает с художниками, живущими как в России, так и в Великобритании, Испании, Нидерландах и Германии. Коллекция ADH сосредоточена на живописи, графике, скульптуре, керамике и предметах дизайна.

С 25 мая по 24 июня 2021 года Российская государственная библиотека для молодёжи (ул. Большая Черкизовская, дом 4, корпус 1, Малый зал) открывает для показа групповую выставку «ЧТО ТЫ ПРЕДСТАВЛЯЕШЬ?». Куратор экспозиции – исследователь «совриска» Даниил Левитес отобрал работы медиахудожников Ильмиры Болотян, Романа Мокрова, Данилы Ткаченко и Ильи Федотова-Фёдорова и предлагает публике поразмышлять на тему «Ответственность в искусстве: есть ли граница между художником и зрителем?».

Библиотека для молодёжи – платформа разнообразных ресурсов, где аккумулируются систематизированные знания о жизни, – становится локацией арт-эксперимента, состоящего из четырёх авторских посланий, каждое из которых позволяет зрителю примерить новую оптику и посмотреть на мир вокруг под другим углом.

«СЕЛФИ» — видео, созданное Ильмирой Болотян, в котором она делает попытки сконструировать определённый образ для себя, испробовав различные «ритуалы красоты», рекомендованные профессиональными моделями, и случайными комментаторами в женских сообществах. Публично избавляясь от прежней самопрезентации, художник превращает зрителя в наблюдателя интимного опыта с демонстрацией неприятия себя и наоборот – самолюбования.

    «БЕСКОНЕЧНАЯ ИСТОРИЯ» — видео Романа Мокрова, лауреата премии «Инновация» (2011) погружает в реалии электричек – основного транспорта, соединяющего окраины со столицей, периферию с центром. Пробираясь мимо турникетов в обход системы, через дыру в заборе, люди стремятся к своим целям. Многие из них верят, что там, в Москве, их проблемы будут, наконец, решены, их желания и мечты осуществятся.

    «РОДИНА» – мемориальный фотопроект Данилы Ткаченко, лауреата премии World Press Photo (2014) и European Publishers Award for Photography (2015), посвящён вымиранию деревень. В современной России за последние 20 лет 76% населения сконцентрировалось в крупных городах, и исчезли 23 000 деревень. Фотографии, впервые представленные в Москве, сняты на территории покинутых сельских территорий, вещи и постройки, находящиеся там не функционируют и не подлежат восстановлению.

     «СОН В ЯМЕ» — видео Ильи Федотова-Фёдорова, лауреата премии «Инновация-2018», снято в Маастрихте, Нидерландах, демонстрируется на экране винтажного телевизора. В поле зрения динамическая скульптурная композиция Мишеля Хусмана, показывающая отношение людей к окружающей среде. Согласно концепции, девушка гладит голову лежащего жирафа, «механизм поглаживания» приводится в движение. Но сейчас он не работает. Ситуация нестандартная: в городской среде – обездвиженное дикое экзотическое животное, люди не обращают на это внимания.    

     «Стремясь к уникальности, автор ищет новые формы и способы воплощения концептуальной задачи, проявления своей уникальности, – поясняет Даниил Левитес, куратор выставки. – Зритель же зачастую хочет иметь дело с «понятным» искусством и получить максимум удовольствия за короткий отрезок времени. Из таких разнонаправленных целей возникает вполне объяснимое напряжение».

Куратор выставочного проекта как медиум в художественном поле поднимает тему ответственности в искусстве художника и зрителя, а также пытается снизить нарастающее напряжение и непонимание с обеих сторон.

Обличение темных сторон человеческой души, общественных предрассудков, религиозных предубеждений – 20 мая в Altmans Gallery открывается выставка «Тайные пороки», посвященная циклам сатирических гравюр Франсиско Гойи и Сальвадора Дали «Капричос» (в пер. с исп. «капризы», «причуды»).

Галерея первых имен Altmans Gallery, вот уже более пяти лет специализирующаяся на живописи, графике и тиражных работах художников мирового уровня, покажет циклы Франсиско Гойи и Сальвадора Дали – «Капричос». Значимость выставки в Altmans Gallery подчеркивается тем, что сегодня сатирические гравюры Гоий можно встретить в собраниях Музея Прадо, ГМИИ им. А. С. Пушкина, Бостонского музея изящных искусств, Музея Сарагосы, а «Капричос» Дали фрагментарно представлен в частных коллекциях. Впервые в Москве оба цикла великих испанцев демонстрируются в частном пространстве. Выставка уникальна еще и тем, что в экспозиции будут представлены оригинальные работы из частных коллекций, приобретенные на международных аукционах Sotheby’s и Christie’s, доступные для продажи.

«В каждом гении живут демоны. В каждом человеке, даже самом благочестивом, живут демоны. И выставка «Тайные пороки» дает нам возможность с ними познакомиться, – говорит основатель галереи Altmans Gallery Егор Альтман. – Глядя на едкие, смелые и обличительные работы Гойи и Дали, мы видим то, в чем сами боимся себе признаться».

О «КАПРИЧОС»

К 1799 году гравер, рисовальщик и придворный живописец Карла IV Франсиско Гойя создал цикл гравюр под названием «Капричос», состоящий из 80 листов. Работы, обнажающие человеческие грехи и пороки общества, возмутили инквизицию. Оттиски были изъяты из продажи, а оригинальные офорты с рукописными комментариями переданы королю.

Спустя почти 200 лет, в 1977 году, Сальвадор Дали представил свою интерпретацию «Капричос». Самый скандальный художник XX не только дополнил работы сюрреалистическими образами и цветом, взяв за основу психоанализ Фрейда – он полностью переосмыслил композиции и изменил их названия.

Серии гравюр, размещенные рядом, дают зрителю возможность сравнить видения обоих авторов, глубже проникнуть в смысл и содержание гравюр каждого. Ведь цикл Гойи принадлежит последнему десятилетию XVIII века – тяжелому революционному времени для Испании, а офорты Дали – это уже эстетика XX века, дышащая новыми формами искусства.

Место проведения: 

Сроки проведения: 20 мая – 1 сентября 2021 г.

Этой весной галерея VS unio представляет публике новый коллективный проект «Краснодарский феномен». Выставка объединит самых ярких художников, живущих и работающих в городе Краснодар, сформировавших независимое художественное объединение. Деятельность художников объединения была отмечена выставками на столичных и зарубежных площадках, но настоящий проект представит их впервые как исключительный культурный феномен для России.
Тенгиз Шамов «Вкус Жизни»

Скандал, эпатаж и жесткое соперничество уже давно стали неотъемлемой частью актуального искусства. Провокация и политизация совриска стали нормой и громогласно признаны отражением духа времени. Однако вдали от этой шумихи складывается и развивается круг художников — «Тихих», как они сами себя именуют. Объединила местных мастеров из одного города искусствовед и куратор Марина Тевзадзе, она же и дала им название «Тихие», словно в оппозицию современным «громким» тенденциям. Следуя определенной концепции, художники развиваются внутри собственного творчества, делая вклад в формирование современной региональной школы.
Дмитрий Прокопович «Суперстрах»

Феномен объединения «Тихих» воплощает в себе самые чистые творческие устремления, дружбу между членами группы и здоровую конкуренцию, на почве которой и зарождается спрос зрительский и рыночный. У «Тихих» нет нужды подстраивать свое творчество под внешние требования, они хранят верность своим принципам и свободе, добиваясь поразительных успехов. Основным покупателем искусства «тихих» является местный средний и малый бизнес, потому их работы можно легко встретить в открытых общественных пространствах города, с их участием проводится множество выставок в местных музеях и галереях.
Игорь Михайленко «Триптих», часть 1

«Тихие» — это состоявшиеся, независимые, зрелые мастера. Константин Лупанов, Мисак Чолокян, Тенгиз Шамов, Игорь Михайленко, Дмитрий Прокопович, Нальби Бугашев, Андрей Скрипка — совершенно не похожи друг на друга в творчестве. Одни художники неистово увлечены абстракцией, экспериментами с материалами и темами, другие – фигуративом, придерживаются более традиционных техник. Вместе же они дают командное и всестороннее развитие современному искусству, удовлетворяя разные эстетические запросы, творят художественную историю, утверждая индивидуальность и творческую свободу.
Константин Лупанов «Золотой петушок»

Цель проекта — рассказать о краснодарском феномене «Тихих» художников, сохраняющих великую идею «искусство для людей». По словам директора галереи VS unio Ланы Герасимовой: «В рамках всего одного региона художники и публика способны повлиять на сложение национальной школы искусства, не стремясь доказывать что-либо авторитетному миру. И, возможно, мы становимся свидетелями важнейшего этапа воскрешения искусства в истинном его понимании».

14 апреля в галерее «Царская башня» Казанского вокзала откроется групповая выставка «Пересекая пространство», осмысляющая ключевые идеи кинетизма через метафору пути. Она продолжит серию институциональных проектов о кинетическом искусстве, подготовленных при участии галереи «Триумф».
Ранее в Третьяковской галерее при участии галереи «Триумф» открылась выставка «Лаборатория будущего. Кинетическое искусство в России», представляющая все разнообразие форм и жанров кинетизма — всего около 400 экспонатов. Проект стал значительным событием в культурной жизни Москвы и пользуется заслуженной популярностью у самых разных зрительских аудиторий. Предстоящая экспозиция в «Царской башне» может рассматриваться как некое его продолжение, или точнее, спин-офф: в ней участвуют практически все те же художники, а ее куратор Алиса Прохорова прежде была ассистентом главного куратора на кинетических выставках в ЦВЗ «Манеж» (Санкт-Петербург) и Третьяковской галерее. Однако выставка, открывающаяся в «Царской башне», – продукт безусловно самостоятельный и самобытный.

Кинетизм как одно из наиболее ярких направлений современного искусства стал одновременно манифестацией интереса к движению, попыткой вдохновить размышления о категории времени в визуальном искусстве, исследованием пределов чувственного восприятия, творческим откликом на прорыв в науке и технике. Художники-кинеты преодолели прежде непроницаемый барьер между наукой и искусством, пересекли границы, разделяющие живопись, скульптуру и архитектуру, и охватили целый ряд экспериментальных техник, обращаясь в том числе к мультимедиа и электронике. Новая эстетика и формы нашли отражение в дизайне, градостроительстве и способах организации пространства.

Визуальная поэзия выступает в рамках выставки проводником, демонстрирующим новые подходы к интерпретации произведений как в пределах экспозиции, так и в условиях нестабильной окружающей действительности. Предложенная связка не случайна: визуальные поэты расширяют диапазон возможного, преодолевая линейные ограничения страницы. Результатом становится «кинетический текст», привлекающий внимание читателя-зрителя к визуальным и семантическим аспектам произведения. Подчеркивая концептуальное сходство кинетического искусства и визуальной поэзии, поэтесса Ры Никонова пишет: «Нынешнее искусство делается для наблюдателей за нами <…> это путь создания жизни как таковой, где и произойдет слияние с наукой».

Кураторское решение проекта иллюстрирует связь двух искусств: поэзия Натальи Азаровой оказывается здесь визуально созвучной пятиметровой самонапряженной спирали Вячеслава Колейчука; кинетические конструкции Владимира Мартиросова превращаются в своеобразных «времирей» рядом с образами из стихотворения Велимира Хлебникова; работы Василия Щетинина, Романа Сакина и Максима Ксуты дополнены «минимальным» текстом Геннадия Айги.

Из-за двойственной природы кинетического искусства и визуальной поэзии — первое находится на пересечении искусства и науки, вторая объединяет словесное и визуальное — их практически невозможно классифицировать и ограничить одной областью знания и осмысления. Таким образом, два предмета выставки «Пересекая пространство» были вынесены за скобки истории, вызывая лишь спорадический интерес среди нишевых аудиторий и относительно небольшого числа исследователей. Этот проект призван исправить это и вернуть формам, бросающим вызов эстетическим и выразительным канонам своего времени, заслуженное историческое значение и место в области гуманитарных наук.

Каждый из разделов выставки — «Движение», «Пространство» и «Бесконечность» — обращается к актуальным вопросам концептуальных поисков современных художников. Экспозиция предлагает новый взгляд на укоренившийся в русской культуре примат пространства над временем — именно время, «хронос», здесь первично и рассматривается как самостоятельная категория.

Выставка «Пересекая пространство» многослойна и становится тем, что зритель готов принять и интерпретировать, будь то развлечение или возможность погружения в большие вопросы мироздания.

Выставка организована Фондом «Культурное пространство» при поддержке ОАО «РЖД» и галереи «Триумф». Официальный партнёр — АО «Трансмашхолдинг».

Галерея «Триумф» была основана Емельяном Захаровым и Дмитрием Ханкиным в 2006 году. Занимается современным искусством и работает с крупными российскими и зарубежными художниками. Среди художников галереи — AES+F, Александр Бродский, Александр Виноградов и Владимир Дубосарский, Recycle Group, Дэмиен Хёрст, братья Чепмены, Вольф фон Ленкевиц, Тим Ноубл и Сью Вебстер и многие другие.

«Триумф» курирует большие выставки в России и за рубежом, а также поддерживает молодое искусство. С момента своего основания галерея «Триумф» провела более 100 выставок в разных пространствах — Музей Москвы, Московский музей современного искусства, Центральный «Манеж», МАММ и других. В мае 2015 года «Триумф» представил две выставки в рамках 56-й Венецианской биеннале современного искусства — новые проекты художников AES+F и Recycle Group.

15 января на портале Объединения «Выставочные залы Москвы» открывается онлайн-проект галереи «Беляево» «Черное на белом» – онлайн-выставка работ современного художника Ивана Симонова, работающего в технике коллажа.

Онлайн-проект «Черное на белом» объединяет две самостоятельных выставки художника Ивана Симонова: «Объекты/Объедки» и «Сопоставления», – логично связанные друг с другом выразительной формой.
Убирая все лишнее и оставляя лишь одно слово и один объект на белом холсте, художник максимально акцентирует внимание зрителя на проблемах и вопросах, наполняющих нашу жизнь. Так, незначительные мелкие предметы из бытовой жизни автора становятся смыслообразующим центром работ, «нарочито непрочные и простые материалы помогают в создании эффекта рукотворности и доступности искусства, а использование текста позволяет кратко и ясно изложить основную идею».
В проекте «Объекты/Объедки» через текст и образ художник переназначает предметы, взятые из своей жизни, и делает из них сакральные объекты. В результате такой трансформации бытовые предметы становятся «отправной точкой в осмыслении повседневности и того, чем она наполнена». Возвышаясь над своим бытовым предназначением и преодолевая его, они становится объектами искусства. Продолжая развивать форму, художник создает крупные полотна, отражающие глобальные явления, которые оказывают влияние на жизнь людей, и объединяет их в проекте «Сопоставления».

Некоторые работы онлайн-проекта сопровождаются аудиодорожками, где Иван Симонов рассказывает об истории их создания, концепции и персонажах. Посвященные уличному искусству видео дополняют онлайн-экспозицию.