24 января 2020 года в галерее ГУМ-Red-Line откроется выставка «Орлицкий против Тузова». Она станет первым опытом соперничества двух молодых художников, Максима Орлицкого и Ивана Тузова, работающих в совершенно разных манерах и техниках.

Как писал Гегель, главным в живописи являются цвет и форма ограничения пространства.Максим Орлицкий – живописец в гегельянском смысле этого слова, то есть он работает с цветом как с материей. Для него также важна форма картины, и он часто дробит одно произведение на несколько частей.

Иван Тузов – автор эпохи пост-Интернет. Он использует пикселизованное изображение. Восприятие, ориентированное на мемы и иконки, задает визуальную парадигму нашей эпохи. Новые символические структуры подобны иероглифам. Но иероглифы Тузова гротескны и ироничны.

Пафос одного уравновешивает критику другого. Работы Ивана Тузова десакрализуют советское пространство Возвышенного. Работы Максима Орлицкого возрождают отношение к Живописи как к священному знанию и к живописанию как к ритуалу. Работы Тузова и Орлицкого сталкиваются в пространстве ГУМа. Принципиальное различие двух художественных систем актуализируется в момент арт-баттла.

Арт-баттл – новый тип перформанса. Дуэль на кистях и красках визуализирует конкуренцию: два автора сражаются друг с другом до победного конца. В проекте «Орлицкий против» он каждый раз выступает против другого автора, «улучшая» его произведение, пока конкурент делает то же самое с работой Орлицкого.

Арт-баттл демистифицирует художественное производство. Внимание аудитории смещается с объекта на субъект, то есть с произведений на их авторов. Наблюдение за процессом живописной работы теперь доступно широкой публике. Сам жест нанесения краски на холст предъявляется зрителю как художественный.

Выставка занимает два зала, в одном из которых размещены работы Максима Орлицкого, а в другом – Ивана Тузова. На сцене во время вернисажа происходит арт-баттл. Созданные во время него две работы после открытия будут постоянно экспонированы в галерее. Смонтированная видеозапись перформанса через три дня после открытия будет постоянно транслироваться на галерейном экране до конца выставки.

Куратор выставки – Михаил Сидлин.

• Торжественное открытие – 24 января 2020 года в 19:00.
• Арт-баттл Максима Орлицкого и Ивана Тузова состоится 24 января 2020 года с 19:00 до 21:00. Ведущий баттла – Михаил Сидлин.
• Кураторская экскурсия по выставке пройдет 31 января 2020 года.
• Выставка работает до 4 февраля 2020 года.

25 декабря 2019 года в Музее Москвы «Натив — Израильский культурный центр» откроет выставку «Тель-Авив от А до Я», приуроченную к празднованию 110-летия Тель-Авива и фестивалю «Light-In-Hanukkah», который в этом году проходит уже во второй раз. Проект перенесет зрителя в культурную столицу Израиля и станет путеводителем по городу, который органично сочетает многовековую историю и современные тенденции. Авторами выставки являются иллюстраторы из креативного агентства CityKat stories, которое возглавляют  Ирина и Борис Гинзбург.

Натив — Израильский культурный центр» знакомит своего зрителя с культурой и традициями Израиля, выставка станет результатом плодотворной работы в течение года и продолжит раскрывать многоранность страны. В экспозиции будут представлены иллюстрации города и его жителей, знаковых и секретных мест. Каждый городской символ будет связан с буквами алфавита древнейшего языка мира — иврита.

Часть иллюстраций, представленных на выставке, выполнена в редкой технике ризографии (с яп. «Ризо»  — «идеал»), которая была изобретена в Японии в 1986 году. Ризография — своеобразное сочетание классической шелкографии и технологий простой копировальной машины, позволяет добиться красочных работ с использованием всего 2-3 цветов. Наслоение оттенков придает иллюстрациям глубину и живость, а печать в технике ризографии считается экологически чистой, так как выполняется чернилами на основе сои на переработанной бумаге и с минимальным энергопотреблением.

Экспозиция затронет множество важных тем — искусство, лингвистику, экологию, путешествия, урбанистику, которые отзовутся в каждом зрителе. Приходите насладиться выставкой и открыть  Тель-Авив с нового ракурса!

• Музей Москвы
• Зубовский бульвар, 2
• Выставка открыта с 25.12.2019 по 19.01.2010
• Открытие 25 декабря в 19:00
• График работы: вт., ср., пт, сб., вс: 10:00 22:00, чт.: 11:00 21:00, пн: выходной.

Выставка посвящена одному из самых ярких периодов в модной индустрии — 60–80-м годам прошлого века. Знаменитые кутюрье, такие как Карл Лагерфельд, Ив Сен-Лоран, Жан-Поль Готье, Соня Рикель, Кензо Такада, оставили после себя наследие, навсегда вошедшее в историю моды.

На выставке будут представлены снимки Владимира Сычева, иммигрировавшего во Францию в 1980 году и ставшего модным фотографом журнала Vogue. Владимир Сычев делал фотографии великих кутюрье за работой и в моменты отдыха, снимал бекстейдж модных показов. В экспозицию вошли домашние снимки Ива Сен-Лорана и Пьера Берже, фотографии знаменитой модели Мунии, снимки Лулу де ла Фалез — подруги и креативного партнера дома YSL, редкие кадры молодого Карла Лагерфельда, уличные съемки Жан-Поля Готье. Некоторые фотографии из личного архива Владимира Сычева будут показаны впервые.

Воссоздаст атмосферу золотой эпохи кутюрье коллекция винтажных нарядов и бижутерии галереи Vintage Dream. Это украшения и костюмы Chanel, созданные как при жизни Коко Шанель, так и в более поздний период под руководством Карла Лагерфельда, Christian Dior, коллекции Ива Сен-Лорана. 

О Владимире Сычёве
Творческий путь фотографа Владимира Сычева проходил от советского андеграунда до модных французских домов. Сычев начал заниматься фотографией в середине 1960-х годов в Казани. В 1972 году он переехал в Москву, где несколько лет работал в Профсоюзе художников-графиков, фотографировал уличную жизнь, делал портреты друзей — неофициальных художников — и организовывал их квартирные выставки.

В 1980 году Владимир Сычев эмигрировал во Францию и перевез через «железный занавес» свои фотографические архивы. Его снимки, сделанные в Советском Союзе, первым опубликовал журнал Paris Match, за ним — журналы Stern, Oggi и Life, что сделало автора самым печатаемым фотографом мира за тот год. Его фотографии высоко оценил Хельмут Ньютон, благодаря рекомендации которого о Сычеве узнал Роже Гайе, директор журнала Vogue. Увидев первые снимки дефиле, сделанные Сычевым на показах в Париже в июле 1980 года, Гайе предложил фотографу контракт. Журнал не заключал контрактов с фотографами на протяжении пятидесяти лет — выходец из Советского Союза Владимир Сычев стал первым. В начале 1980-х годов Сычев снимал дефиле высокой моды и рекламу для легендарных французских модельеров, публиковался во французском и американском изданиях Vogue.

Несмотря на возможность работать в мире глянца, Владимир предпочел заниматься уличной фотографией и вплоть до конца 2010 года сотрудничал с агентством «Сипа Пресс». В те годы он снимал в основном международную хронику: падение Берлинской стены, свержение Чаушеску, три дня с Михаилом Горбачевым в кругу семьи после его отречения, первый и второй путчи в Москве, поездки с президентами (Валери Жискар Д’Эстен, Франсуа Миттеран, Жак Ширак, Николя Саркози).

O Vintage Dream
На сегодняшний день коллекция Vintage Dream (Москва) насчитывает около пяти тысяч изделий. Миссия галереи — давать новую жизнь предметам с историей, хранить и популяризировать наследие выдающихся мастеров моды.

Стоимость входного билета: 300 руб.

Стоимость льготного билета: 150 руб.

« ПУСТЬ СЧАСТЛИВАЯ ЗВЕЗДА СИЯЕТ В ВЫСОТЕ» – говорят, что именно так китайцы желают друг другу удачи в новом году. Тема новой экспозиции в галерее ГУМ-Red-Line – довольно легкомысленная: восточный гороскоп. Для куратора проекта Елены Крыловой она стала и
удачей, и вызовом одновременно, для выбранных ею художников – проверкой самоиронии и тестированием художественного языка. Куратор выставки Елена Крылова собрала созвездие художников своего поколения, которых считает настоящим и будущим российского современного искусства: Людмилу Баронину, Катю Белявскую, Алину Глазун, Ивана Горшкова, Ксению Драныш, ЕлиКука, Юлию Картошкину, Ольгу Кройтор, Романа Манихина, Викторию Марченкову, Ростана
Тавасиева, Ивана Тузова, Сашу Фролову, Нику Черняеву, Валерия Чтака.
Кто-то из них еще остается в категории «молодых» (согласно принятой классификации, возраст
молодого художника – до 35 лет), кто-то – в середине карьерного пути, но все они уверенно покоряют мир. А составить гороскоп на наступающий год Металлической Крысы она пригласила
мэтра,провидца и одного из самых красноречивых художников нашего времени – Пахома.

Слово «стазис» переводится с греческого как «стоящий неподвижно». С давних времен искусство помогает «остановить мгновение», зафиксировать ускользающее время.
Юлия Ленина “Диптих Рождение Света” (вторая)

Человечество постоянно находится в поиске новых способов отображения действительности. Так, в 60-е годы XIX века импрессионисты произвели переворот в живописи, призывая запечатлевать мимолетные состояния природы и краткие моменты созерцания. Фото- и видеосъемка предоставили возможность документально фиксировать происходящее. Современное искусство не остается в стороне от проблемы быстротечности времени.
Алексей Андреев

Алексей Андреев, Юлия Ленина и Степан Артов развивают эту тему в работах, которые будут представлены на выставке «Стазис» с 3 декабря 2019 до 17 января 2020 года в ARTIS GALLERY.

Алексей Андреев создает произведения в технике цифровой живописи – процесс создания digital art совершенно лишен таких неудобств, как медленное высыхание краски, что позволяет мгновенно увидеть результат. В работах он возвращается к детским воспоминаниям и мечтам, переживает их вновь и фиксирует определенные состояния восприятия, которые испытал когда-то. Его творческий метод близок сюрреализму, потому что при создании фантасмагорических сюжетов художник руководствуется интуитивными, подсознательными ощущениями, а не интеллектуальным анализом. С помощью технологии дополненной реальности и специального приложения статичные изображения «оживают» на экране смартфона, что дарит возможность зрителям проживать многократно одни и те же сюжеты.

Алексей Андреев “Аврора”

Картины Юлии Лениной созданы в традиционной живописной технике. Масляные краски в сочетании с мастихином дают возможность художнице создавать прихотливые смешения красок и изощренные цветовые переходы. Абстракция свободна от сюжетов и персонажей, а значит не устаревает и всегда остается актуальной. Абстрактное искусство остановило время, потому что существует вне его рамок.
Юлия Ленина “Навстречу свету”

Проблему человеческого восприятия времени Степан Артов рассматривает через призму кибер-футуризма. Он убежден, что в будущем жизнь людей будет неразрывно связана с искусственным интеллектом, и нам необходимо учиться взаимодействовать с кибер-организмами и понимать смысл посылаемых сообщений. «Крипто-фловер» художника – представитель цивилизации роботизированных существ. По задумке автора, робо-цветок питается позитивной энергией, которую получает от улыбок. Накопив достаточное количество положительного заряда, «Крипто-фловер» сможет воспроизвести себе подобного, что представляет собой аналогию цикла человеческой жизни.
Степан Артов

10 октября 2019 года Музей русского импрессионизма совместно с Посольством Испании открывает выставку «Импрессионизм и испанское искусство». 57 живописных работ, скульптура и графика из 14 ведущих музеев Испании и частных коллекций, дополненные двумя картинами и ГМИИ имени А.С. Пушкина (Москва).

Первая в России масштабная испанская экспозиция рубежа XIX-XX веков познакомит публику с творчеством 18-ти испанских художников, которые работали бок о бок с французскими импрессионистами, участвовали в первых выставках нового для 1880-х годов направления в европейском искусстве. На выставке будут представлены картины Хоакина Сорольи, Рамона Касаса, Дарио де Регойоса, Мариана Пиделасерра, Игнасио Майоля, Сантьяго Русиньйоля, Рикардо Канальса, Игнасио Cулоаги, Хоакима Мира, Пере Исерна.

Адольфо Гийяр. Портнихи в парке. 1884-1885. Коллекция Ибердрола, Бильбао

Импрессионизм – несомненно, самое популярное и любимое публикой живописное направление в искусстве второй половины XIX века. Родившись на французской почве, импрессионизм затронул практически все страны мира. Но, пожалуй, наибольшее влияние он оказал на испанских художников. Они предпочитали яркую, сочную палитру, чтобы передать всю красоту южной природы – красочные тени размашистых деревьев, белые блики солнечных рефлексов и переливы морской воды. Испанский импрессионизм вырастает из классического живописного наследия, в нем чувствуется связь с традициями искусства XVII века в лице Веласкеса и искусства XVIII века в лице Гойи.

Мариано Фортуни. Улица Гранателло в Портичи. 1874. Коллекция Вида Муньона. Альмерия

В проекте участвуют 14 художественных музеев Испании, в том числе: Национальный музей искусства Каталонии, музей Монтсеррат, Дом-музей Хоакина Сорольи, Музей изобразительных искусств Бильбао и др.

Куратор проекта – Франческо Фонтбона (Испания). Каталонский историк искусства, писатель, куратор выставок и специалист по каталонскому модернизму. Был директором графического отдела в национальной библиотеке Каталонии (1995-2013), генеральным директором художественной секции в Большой каталонской энциклопедии (1968-78). Членом Королевской каталонской академии изящных искусств Святого Георгия и испанского общества в Америке.

Рикард Каналс. Ванна. Ок. 1905. Национальный музей искусства Каталонии

Координатор проекта – Мария Мороз (Россия). Сотрудник выставочного отдела Музея русского импрессионизма, искусствовед, лектор.

Выставка проходит при поддержке Посольства Испании.