Во все времена природа служила для человека источником вдохновения и эмоций: восторга, умиротворения, страха, печали… Пейзаж оформился в независимый жанр живописи лишь к началу XVI века, и окружающий мир из заднего фона превратился в центральный объект изображения. Клод Лоррен, Уильям Тернер, Исаак Левитан развили жанр пейзажа, наполнив его психологизмом, передав с помощью природы настроение, идею, мысль.

Художники ХХ века чаще тяготели к эстетике городов, их энергии и бесконечно бурлящей жизни. Увлеченность природы отошла на второй план. Однако современные экологические катастрофы и проблемы загрязнения окружающей среды, однообразие «каменных джунглей» и усталость от жизни в мегаполисе заставила художников вновь обратиться к теме природы.

Сьюзан Нгуен, Валерий Песин и Галина Ерещук — художники, чьи работы представлены на выставке «NATURO» с 21 января по 28 февраля в ARTIS GALLERY — обращаются к этой теме и раскрывают ее согласно собственному видению.

Художница вьетнамского происхождения Сьюзан Нгуен представит в рамках выставки работы из проекта «Эфемерный зеленый», который посвящен исчезнувшему участку леса в Подмосковье, где девушка провела свое детство. Сьюзан создает картины на основе старых фотографий и собственных воспоминаний, подчеркивая эфемерность сюжетов нечеткими силуэтами и размытыми линиями. Цветовая гамма передает атмосферу таинственной лесной чащи, окутанной дымкой лесной тропинки, по которой зрителю предлагают совершить прогулку.

Валерий Песин сочетает в своем творчестве классическую традицию европейского пейзажа и элементы восточного искусства. Он стремится передать гармонию стихий и элементов природы. Тонкие цветовые переходы, изысканные оттенки сочетаются в его работах с точно выверенным композиционным построением и легкостью, присущей начертанию иероглифов. Работы Валерия наполнены воздухом, они легки и невесомы, как росчерк руки каллиграфа.

Активная поверхность в работах Галины Ерещук передает контраст между твердостью камней и текучестью воды. С помощью мазков художница вылепливают форму, создает рельеф каменистого побережья. Сложное колористическое решение, многообразие тонов, глубокие цвета заставят зрителя внимательно вглядываться в полотна, погрузиться в процесс созерцания сродни тому, что человек переживает, находясь у берега моря.

Художники: Сьюзен Нгуен, Валерий Песин, Галина Ерещук

21 января — 28 февраля 2020 года

4-й Сыромятнический переулок,1/8, ЦСИ «Винзавод» (подъезд 22)

Ежедневно (кроме понедельников) с 12:00 до 20:00

Вход свободный

Центр фотографии имени братьев Люмьер представляет выставку работ выдающегося художника русского авангарда Александра Родченко из коллекции фонда Still Art, созданного Еленой и Михаилом Карисаловыми. В экспозицию войдут работы Родченко разных лет, начиная с первых фотографических опытов 1920-х до конца 1930-х годов. На выставке будут представлены знаменитые портреты друзей Родченко – художников, архитекторов, поэтов, писателей, кинорежиссеров, сотрудников журналов «ЛЕФ» и «Новый ЛЕФ», среди которых узнаваемый портрет Лили Брик, который стал основой для плаката Ленгиза, несколько фотографий Владимира Маяковского из первой фотосессии в мастерской Родченко на Мясницкой (1924) и знаменитая фотография Осипа Брика, где вместо одной из линз очков вмонтировано название журнала «ЛЕФ». В экспозицию также войдут портреты семьи: матери фотографа, его жены Варвары Степановой и дочери Варвары Родченко, архитектурные съемки и фоторепортажи: легендарные «Балконы» (1925), «Пожарная лестница» (1925), «Лестница» (1929), а также «Пионер — трубач» (1930) и «Пионерка» (1930).

Сокуратором выставки выступит внук и ведущий специалист творчества Александра Родченко, Александр Лаврентьев. В экспозиции будет представлено 58 серебряно-желатиновых отпечатков из двух альбомов музейной серии портфолио, выпущенных тиражом 35 экземпляров в 1994-1997 годах, собранных под руководством Варвары Родченко, Александра Лаврентьева и галериста Говарда Шиклера. Печать фотографий, вошедших в портфолио и предоставленных фондом Still Art, осуществлена Александром Лаврентьевым и Юрием Плаксиным в фотолаборатории Родченко с оригинальных негативов автора. 

Александр Михайлович Родченко (1891–1956) – один из лидеров русского авангарда, новатор в области живописи, скульптуры, книжного, плакатного, кино- и театрального дизайна, начал фотографировать в 1924 году. Его экспериментальный подход к фотографии навсегда изменил историю этого вида искусства и повлиял не только на современников, но и определил развитие фотографии на десятилетия вперед. Используя такие приемы, как съемка с непривычного ракурса (сверху вниз и снизу вверх), который сразу же стали называть «родченковским»; диагональное построение композиции, задающее динамику и ритмичность кадру; съемка детали и крупного плана; применение двойной экспозиции и тонкая работа со светотеневыми контрастами, Родченко стремился, как писал Осип Брик, превратить знакомую вещь в «кажется никогда не виданную конструкцию», изменить привычный взгляд человека на окружающее, расширить возможности «видеть вещи».

Государственная Третьяковская галерея и компания Smart Art рады анонсировать
персональную выставку Сергея Сапожникова, которая пройдет в Западном крыле Новой
Третьяковки
Место фотографии не только на российской арт-сцене, но и в широком контексте ее
взаимоотношений с теорией и историей искусства до сих пор не определено. Выставка
призвана стать попыткой пролить свет на эти проблемы.
Сергей Сапожников занимается фотографией более 15 лет, заслужив внимание российского и
мирового экспертного сообщества. Этот проект — способ художника через собственный поиск
осветить целый комплекс вопросов, связанных с местом фотографии в современном искусстве:
взаимодействие с обстоятельствами съемок, перформативными практиками и специально
созданной действительностью, а также методы работы с изображением.
Выставка ставит целью отразить как в фотографии, так и в других видах искусства, в том числе
театрального, взаимопроникновение авангардных практик и идей конструктивизма в
архитектуре.
Проект выстроен в хронологическом порядке, как эволюция идей и практик с 2003 по 2018 год,
причем работы объединены в целостную инсталляцию, что также является новым и
интересным подходом к показу творческой ретроспективы. Экспозиция составлена из работ,
предоставленных известными в России меценатами и коллекционерами современного
искусства, что особенно важно для Третьяковской галереи как музея, который своим
существованием обязан великим коллекционерам и меценатам. В состав выставки вошли
работы из серий «Халабуда» (2006–2008), «Неоконченные виды» (2012), Total Picture (2014),
The Drama Machine (2015), Dance (2018), а также новые произведения, посвященные городской
среде, включая серию «Удивительный день» (2018), которая специально была создана для
Европейской биеннале современного искусства Manifesta 12 в Палермо.

Александр Погоржельский представлен новой серией работ Folk embroidery motifs (холст, масло,
2019, всего 22 картины) и монументальной инсталляцией Shadows of Forgotten Ancestors, состоящей из 120 рисунков (бумага, карандаш, 2018–2019).


Абстрактное «вышивание» трансцендентных образов на холстах Folk embroidery motifs – это приглашение художника к постижению имманентных начал; неслучайно преобладание пастельных тонов оранжевого и белого: в теории цвета их оттенки несут в себе энергетику как жизни, так и смерти. Метафизика. В то же время инсталляция Shadows of Forgotten Ancestors работает и обретает совершенно особый сакральный смысл в пространстве галереи ГУМ-Red-Line: на фоне Красной площади Москвы эскизы костюмов увлекают зрителя в вековую историю традиций, оживляя коллективную память поколений. Aeternum.

Мария Погоржельская представлена новым проектом Private Zone (холст, масло, 2007–2019, всего серия из 30 картин), выставляющимся впервые в полном объеме на нашей экспозиции. Большая часть работ выполнена в 2019 году ad hoc для данной выставки, но зрители увидят и портреты Натальи Водяновой, написанные художницей в 2012 году для проекта журнала Vogue. Private Zone находится в поле индивидуального, сиюминутного, точного воспроизведения определенного момента частной женской жизни. Фотографическая память и «быстрый свет» на плоскости — главный инструмент художницы, в лучших традициях «нового реализма». Неслучайно и многократномаленький формат работы служит эскизом большой картины, словно негатив для фотографии. Своего рода «метаморфоза этюда» – отдельная линия определенных картин, представленная к исследованию зрителя на выставке. Hic et nunc.

Выставка «Про(Образ)» дает представление о том направлении современной живописи, пространства которой находятся на перекрестке определенного восточного и западного искусства – это выявление объективно разных, но логически последовательных подходов в живописи.
Наше повествование не привязано к стилистическим особенностям и характерным формулам работ
Погоржельских, но проходит по «касательным» в рамках одной и той же изобразительной практики
и утонченного владения цветом обоих художников. Энергия двухмерных фигур на плоском фоне.
Маски. Именно они проносят зрителя через историю к истокам и самобытности. Будь то народный/
церемониальный костюм предков и абстрактно-мифический вневременной образ (Александр Погор-
жельский) или маска ежедневного ритуала женского ухода за собой и точный портрет (часто авто-
портрет) в конкретном временном отрезке, действительности «здесь сейчас» (Мария Погоржельская).

Поиск идентичности через прошлое и выражение сути через настоящее, повседневное. Сакрализация как памяти исторической, так и памяти индивидуальной. Коннотации времени обыграны обоими художниками через концепцию памяти путем умышленного отрицания увеличения «не-мест» в современном обществе, в рамках антропологии «гипермодерна» Оже и социального пространства. «Пространство, не определяемое ни через идентичность, ни через
связи, ни через историю, является «не-местом». …гипермодерн производит «не-места», то есть места, которые сами не являются антропологическими местами и, в отличие от бодлеровской современности, не связывают исторические места, …то есть «места памяти».

Представленный кураторский проект – это попытка направить зрителя на восприятие выставочного пространства именно как «места памяти» путем интуитивного (в бергсонском понимании) воссоздания реальности через прообраз. Ведь лишь интуиция, будучи непосредственным переживанием предмета искусства, «внедряется в его интимную сущность».
Таким образом, через представленные художественные работы происходит целостное «эмоционально-интуитивное» постижение действительности, реальной или воображаемой.