Ретроспективная выставка в Институте русского реалистического искусства станет крупнейшим проектом, посвящённым Георгию Нисскому.  Художник, чьё имя гремело в 1950-1960 годах, сейчас обретает новую славу. Его работа «Над снегами», приобретённая ИРРИ установила рекордный для советской реалистической живописи результат.

«Мы уже сделали несколько персональных выставок различных художников, но экспозиция, посвящённая Георгию Нисскому, станет, пожалуй, самой масштабной, если говорить о глубине изучения его творчества и архивов. Мы привозим работы из 23 музеев. В октябре-ноябре мы представим большой каталог, где будут собраны изображения и документы из более, чем 50 музеев, архивов и частных собраний», — говорит основатель Института русского реалистического искусства Алексей Ананьев.

В моментально узнаваемых работах Георгия Нисского запечатлён образ жизни их автора – атлета, морского волка и бунтаря. Неутомимый и энергичный, он создавал заряженные скоростью полотна, рассекая классический русский пейзаж лентами железных дорог и автострад. Его фирменный приём – непривычно низкий горизонт, сообщающий композициям Нисского бескрайнее пространство, свободное для движения поездов, самолётов и кораблей.

Выставка не только познакомит зрителей с лучшими работами художника, но и расскажет о становлении стиля Нисского с помощью шедевров его кумиров. Ещё один раздел выставки посвящён последователям художника. «Показывать мы будем не только работы Нисского. Мы обратимся к тому, кто его вдохновлял и учил – Аркадию Рылову, Петру Кончаловскому, Николаю Рериху, Александру Дейнеке, Альберу Марке, а также к тем, на кого так или иначе повлиял сам Нисский», — комментирует состав экспозиции арт-директор ИРРИ и куратор выставки Надежда Степанова.

В выставке принимают участие произведения из коллекций Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Астраханской государственной картинной галереи имени П. М. Догадина, Волгоградского музея изобразительных искусств имени И.И. Машкова, Вологодской областной картинной галереи, Воронежского областного художественного музея имени И.Н. Крамского, Вятского художественного музея имени В.М. и А.М. Васнецовых, Гомельского дворцово-паркового ансамбля, Государственного Владимиро-Суздальского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Государственного музея истории российской литературы имени В.И. Даля, Екатеринбургского музея изобразительных искусств, Костромского историко-архитектурного и художественного музея-заповедника, Курской государственной картинной галереи имени А.А. Дейнеки, Нижегородского государственного художественного музея, Новгородского государственного объединённого музея-заповедника, Новосибирского государственного художественного музея, Пермской государственной художественной галереи, Сочинского художественного музея, Тамбовской областной картинной галереи, Тверской областной картинной галереи, Тульского областного художественного музея, Ульяновского областного краеведческого музея имени И.А. Гончарова, Ярославского художественного музея и частных коллекций.

В экспозицию войдёт большое количество документальных материалов. Почти все они будут представлены впервые, в том числе и специалистам.

За разработку архитектуры и дизайна выставки отвечают архитекторы бюро PROJECT ELEVEN Игорь Чиркин и Павел Пришин, авторы архитектурного решения постоянной экспозиции ИРРИ, а также временных выставок «Советский спорт», «Россия в пути. Самолётом, поездом, автомобилем», «BENVENUTI –WELCOME – Добро пожаловать. Дневник путешествий Анатолия Кокорина», «Александр Лабас. Октябрь», «Возвращайся домой», «На краю цвета», «Окна в Россию. Шедевры семи поколений» и других. Соавторы архитектурного проекта, авторы афиши, графичеcкого оформления и каталога выставки – Андрей Шелютто и Ирина Чекмарёва.

К выставке подготовлены аудиогид и обширная образовательная программа.

Проект сопровождается изданием большого каталога — беспрецедентного исследования творчества Георгия Нисского с максимально полным перечнем созданных им произведений. Книга будет презентован осенью 2018 года.

Открытие выставки состоится 14 сентября. Вход в ИРРИ в этот день будет свободным. В остальные дни работы выставки стоимость полного билета  составит 300 рублей.

Справка
Георгий Григорьевич Нисский

8 (21) января 1903 — 18 июня 1987

«Родился я и детство провёл в Белоруссии, в местечке Новобелице, среди сосновых лесов, двух рек и большого озера». Так скромно начинает свою биографию Георгий Нисский – академик живописи, лауреат государственной премии, чемпион Москвы по парусному спорту, любимый советский художник французского классика Альбера Марке, а также бунтарь, путешественник и неисправимый романтик. В первых словах биографии уже прочитывается характерный стиль художника, лаконичный и стремительный. Нисский начал свой путь, изрисовывая паровозами страницы врачебных книг отца – фельдшера железнодорожной станции. Уехав в Москву, Нисский поступил в Высшие художественно-технические мастерские на факультет живописи. От периода учёбы фотографий Нисского осталось значительно больше, чем его картин. Художник занимался в мастерских Александра Древина и Роберта Фалька, позировал Петру Кончаловскому, а всё свободное (и несвободное) время проводил либо в спортивном зале ВХУТЕМАСа, либо на его крыше, поражая однокурсников выполняемой на парапете шестиэтажного здания стойкой на руках. Познакомившись с боксёром и живописцем Александром Дейнекой, Нисский проникся искусством Общества художников-станковистов. Дипломная работа «Интернационал на Жиль-Барте», написанная в духе ОСТа, приобретается Третьяковской галереей, а сам Нисский быстро добивается статуса главного мариниста 1930-х годов. Способствует этому и увлечение парусным спортом – у художника была даже своя яхта. На суше Нисский пишет ленты современных автострад и железнодорожных путей, а в годы войны работает над серией пейзажей, созданных в поездках на фронт под Юхнов вместе с Александром Дейнекой и Юрием Пименовым. В первые послевоенные десятилетия Нисский развивает свой узнаваемый стиль, синонимичный эпохе больших перемен. География его работ этого времени как никогда обширна – художник нередко запирал свою мастерскую на Верхней Масловке, садился за руль своей личной «Волги» и уезжал за горизонт в поисках новых сюжетов. Щедрый и добродушный человек, он поддерживал начинающих художников и был всегда окружен друзьями. У него не было прямых учеников, однако его лаконичный пейзаж повлиял не на одно поколение живописцев.

Мы давно пытаемся понять современное искусство, что уже разочаровались в этих попытках. Достаточно задать себе несколько вопросов и самостоятельно на них ответить. Мы разучились формировать собственное мнение и впечатление от увиденного, прочитанного и услышанного. На все кажущееся непонятным мы ищем ответы во всемирной паутине и принимаем чужой взгляд и мысли за свои умозаключения. Метод восприятия был доступен человечеству в течение многих веков до нас, а мы потеряли этот язык осмысления. Мы современники удивительного периода переоценки ценности: ремесла, таланта, мастерства, опыта художника. На протяжении всей своей жизни художники наращивают свое умение и навык, которым впоследствии делятся со зрителем. Дефицит настоящего изобразительного искусства спровоцировал новую волну возрождения.

Галерея VS unio начинает выставочный сезон с грандиозного открытия для отечественного и зарубежного художественного мира нового имени молодого художника Александра Купаляна. Живопись Александра Купаляна, сочетающая в себе смысл, талант и образование идет наперекор массе труднообъяснимого концептуального современного искусства. Выпускник и преподаватель МГАХИ им. В.И. Сурикова Александр Купалян, театральный художник и совладелец частного собрания Руар Нино, участник множества российских и международных выставок, представляет собой исключительное явление времени, в котором происходит перелом и переосмысление искусства.

В цикле «Гибель городов», созданном специально для выставки, посредством языка живописи представлен мистический мир гибнущих цивилизаций, основанный на впечатлениях художника от путешествий по Италии, опыте стажировки в Академии изящных искусств Неаполя, столкновении со следами жестоких катаклизмов и природных катастроф. Жажда серьезных смыслов, обращение к вечным темам гибели и упадка была актуальна для думающих художников в различные периоды истории искусства. Традиция продолжается и в личных переосмыслениях темы апокалипсиса современного мастера.

Масштабные монументальные жанровые картины с глубоким философским подтекстом «Здесь был Герострат», «Помпеи. Шаг в вечность», «Памяти Герники», «Невеста пустыни Пальмира», «Черный Христос», «Форма новой жизни. Хиросима», «Волна.Атлантида» не просто представляют природные последствия трагедии разрушения городов в грязи, копоти, пепле, но и обличают вину человека в этих бедах и несчастьях.

Не только задумка, но и техническое исполнение, передающие трагедию места, носят у Александра Купаляна кропотливую придирчивость к деталям. Замысел и изысканное исполнение живописных работ для выставки заняли у художника около пяти лет усердного труда, для воссоздания иллюзии старинного пейзажа с переменчивыми природными образами в сумрачных и ярких красках.

Александр Купалян один из первых художников нового поколения возрождает сюжеты античной истории, вплетая в историческую канву произведений элементы современной жизни, заранее придавая своей живописи эффект шедевра.

Центр фотографии имени братьев Люмьер впервые открывает для российской публики имя выдающегося американского архитектурного фотографа XX века Ezra Stoller (Эзра Столлер).
Музей Соломона Гуггенхайма, бывшее здание Музея американского искусства Уитни, небоскребы Манхеттена, терминал авиакомпании TWA аэропорта им. Джона Кеннеди, знаменитый «Дом над водопадом», культовая постройка ХХ века – капелла Роншан и многие другие знаковые архитектурные строения эпохи модернизма в объективе одного из самых влиятельных архитектурных фотографов будут представлены на площадке Центра фотографии на Красном Октябре.

Эзра Столлер. Терминал TWA в Айдлуайлд (Аэропорт Джона Ф. Кеннеди)

Работы для выставки в Москве были специально отобраны из архива Эзры Столлера. В экспозицию вошли черно-белые фотографии общественных зданий, офисов и частных домов самого начала его карьеры в конце 1930-х по 1970-е.
На протяжении многих лет Столлер работал с пионерами современной американской архитектуры и самыми известными представителями эпохи модернизма, такими как Фрэнк Ллойд Райт, Людвиг Мис ван дер Роэ, Луис Кан, Ле Корбюзье, Пол Рудольф и Марсель Брейер.

Столлеризировано (Stollerized) – так архитекторы между собой называли архитектуру, попавшую в объектив Эзры.
Получив начальное архитектурное образование и окончив факультет индустриального дизайна Нью-Йоркского университета, Столлер начал свою карьеру с фотографирования архитектурных макетов своих сокурсников. Довольно быстро поняв, что в фотографии он может добиться гораздо большего, чем в архитектуре он сделал выбор в пользу двухмерного пространства.

Столлер много работал по заказам журналов, архитектурных компаний, мануфактур и больших корпораций. Его фотографии, опубликованные среди прочего в журналах Architectural Record, Architectural Forum, Fortune и House Beautiful, внесли весомый вклад в популяризацию нового направления.
Как пишет обладатель «Пулитцеровской премии» американский архитектурный критик, писатель и колумнист журнала The New Yorker Пол Голдбергер: “его фотографии без сомнения одни из самых часто воспроизводимых. Они сыграли важную роль в формировании восприятия общественностью того, что представляет собой современная архитектура”.

Хотя Столлер позиционировал себя как коммерческий фотограф, художественные качества его работ не вызывают сомнений и делают его влиятельной фигурой в истории архитектурной фотографии. Уже в 1950 году его работы стали частью выставки «Цветная фотография», куратором которой был Эдвард Стайхен, легендарный директор отдела фотографии MOMA в Нью-Йорке. В этой выставке были также представлены работы Энсела Адамса, Ричарда Аведона, Анри Картье-Брессона, Роберта Капы и Эрвина Блюменфельда.
Эзра Столлер стал первым фотографом, который в 1961 году получил золотую медаль Американского института архитектуры, с формулировкой за «формирование нашего восприятия современной архитектуры».

Фотографии автора хранятся в коллекциях крупнейших музеев США, таких как Музей современного искусства (MOMA), Музей американского искусства Уитни в Нью-Йорке, Музей изящных искусств Хьюстона, Музей современного искусства Сан-Франциско.
В рамках выставки Центр фотографии реализует обширную образовательную программу: лекции, дискуссии, кинопоказы и регулярные кураторские экскурсии.
Проект реализован совместно с Музеем архитектуры им. А.В. Щусева. Приглашенный архитектор выставки: Юлия Наполова, P.S. Culture.

Центр фотографии имени братьев Люмьер представляет выставку известного российского фотографа Вадима Гущина. Работая с предметной абстракцией, автор создаёт «поэтический каталог» окружающего нас мира вещей. Каждая отснятая им серия посвящена одному из предметов повседневной жизни – он интересен художнику как идея, знак. Выдержанный минимализм, кажущаяся повторяемость и композиционная простота – узнаваемые черты фотографического языка Гущина.

В экспозицию вошли работы, созданные художником в течение последних трёх лет. Фотографии этого периода являются новым этапом в творчестве Гущина и вместе с тем продолжением цикла минималистических натюрмортов. В центре его внимания книга – предмет,сумевший сохранить непреходящее культурное значение в эпоху технологических революций и господства цифровой информации.

Центр фотографии представит серии «Живопись» (2016), «Книги» (2017), «Прозрачный футляр» (2017), «Книги в коробке» (2017), «Библиотека» (2018), «Натюрморт» (2018). Каждая из них построена на особых композиционных принципах и законах сочетаемости форм и цвета. Все они связаны единой пространственной моделью: строгая геометрия и чистота абстрактных форм отсылают нас к идеальному миру супрематических предметов. Отсекая функцию предмета, Гущин обнажает его форму, складывая объекты повседневности в беспредметные минималистичные композиции.

«В своей эстетике он одновременно оживляет двумерный мир Малевича и создаёт фотографическую иллюзию трёхмерности», – пишет искусствовед Михаил Сидлин во вступлении к альбому Гущина «Everyday Objects / Cultural Treasures» (2013).

Гущину удается балансировать на тонкой грани между абстрактным и конкретным, чистой формой и вещностью, символичным и преходящим. Избранный им принцип каталогизации есть нечто большее, чем
простое перечисление схожих объектов, – это размышление о времени, памяти и человеке.

В рамках выставки «Из частной библиотеки» запланированы авторские экскурсии. За обновлениями следите на официальном сайте Центра фотографии .

Категория 6+
Стоимость билетов от 250 до 500 руб.